Asunto Galeria

Luis Scafati - Expone Drácula en Asunto Galería - sáb. 13 de Agosto. 12hrs

2011-08-06T09:02:00.000-07:00

Luis Scafati - Expone Drácula en Asunto Galería - sáb. 13 de Agosto. 12hrs

Hora	Sábado, 13 de agosto a las 12:00 - 16 de septiembre a las 19:00

Lugar	Peru 1064. San Telmo, Buenos Aires, Agentina

Creado por	Asunto Impreso

Más información	Luis Scafati - Expone dibujos originales de su libro Drácula en Asunto Galería - sáb. 13 de Agosto. 12Hrs. ----------------------------------------- Dentro del marco de la expo de dibujos del libro Dracula se hace el Workshop de dibujo dado por Luis Scafati. Serían dos clases, los sábados 20 y 27 de agosto 2011, el tema es el dibujo en la ilustración. son aranceladas. Cupo limitado a 10 personas. ------------------------------------- ASUNTO IMPRESO ASUNTO Galería Perú 1064 - San Telmo tel: 4361 8210 mail: santelmo@asuntoimpreso.com asuntogaleria.blogspot.com flickr.com/photos/asuntogaleria facebook.com/asuntoimpreso -------------------------------------- LUIS SCAFATI www.luisscafati.com.ar http://www.luisscafati.blogspot.com/

OmarOmar presenta iconO, doce obras originales cuyas imágenes forman parte del proyecto 12na.

2010-11-26T09:28:00.000-08:00

Los invitamos a la presentación del libro: IconO

del artista plástico OmarOmar

editado por: 12na

www.proyectodocena.com

OmarOmar presenta iconO,

doce obras originales cuyas imágenes forman parte del proyecto 12na.

Es el sábado 11 de Diciembre a las 18hs

Perú 1064 San Telmo

librería Asunto Impreso

Cada una de éstas señales tiene una historia, y habla en una lengua que necesita de los otros para poder establecer un diálogo. Quienes utilicen las marcas tendrán que tener la experiencia necesaria para poder descifrar el motivo por el que fueron hechas.

La memoria en OmarOmar actúa como en el teatro del mundo, para confirmar que las marcas humanas son máscaras que pueden representar tanto la tragedia como una comedia.

Juan Carlos Romero

Asunto Impreso San Telmo
Perú 1064, entre Carlos Calvo y Humberto Primo
San Telmo
tel: 4361 8210
mail: galeria@asuntoimpreso.com
Facebook: Asunto Impreso

Presentacion del libro Niñas ilustraciones de Marta Vicente

2010-10-14T08:32:00.000-07:00

Los invitamos al mediodía con unos vinos mendocinos

a la presentación del libro: "Niñas"

de Marta Vicente y Jimena Néspolo

el nuevo libro de pípala (Adriana Hidalgo Editora)

Es el sábado 16 de Octubre a las 12:30 Hrs.

en la librería Asunto Impreso de Perú 1064, San Telmo.

Estarán expuestas las ilustraciones originales del libro

y obras de la ilustradora, Marta Vicente.

Cualquier consulta porfavor escribirnos o llamarnos.

Saludos cordiales

Asunto Impreso San Telmo

Perú 1064, entre Carlos Calvo y Humberto Primo

San Telmo

tel: 4361 8210

mail: galeria@asuntoimpreso.com

Facebook: Asunto Impreso

Datos Marta Vicente:

www.martavicente.com.ar

http://www.flickr.com/photos/mgvicente

Reseña que salió de "Niñas" en el suplemente La 12 de Página 12.

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/las12/13-6021-2010-10-01.html

2010-08-13T08:13:00.001-07:00

Gyula Kosice firma su Autobiografía en nuestro Stand

2010-04-23T12:42:00.000-07:00

El martes 27 de Abril a las 18Hrs. Gyula Kosice firmara su AUTOBIOGRAFÍA
en nuestro STAND ASUNTO IMPRESO - LA MARCA EDITORA (2417)

Los esperamos!

http://www.el-libro.org.ar/internacional/firmas/alfabetico.asp?x=K

Eduardo Gil Muestra Praesagĭum. Fotografías

2010-04-23T12:27:00.001-07:00

Eduardo Gil
Muestra Praesagĭum.
Fotografías

del Miércoles 21 de abril al 16 de Mayo.

ASUNTOGALería
Perú 1064
San Telmo

Al observar las imágenes que conforman esta 12na, uno se encuentra con la perspectiva frontal, la reproducción precisa y fiel, puramente fotográfica y aparentemente impersonal, el aislamiento de los temas con respecto a su contexto y el enfoque uniforme de los objetos representados que tanto se han elogiado en las series Paisajes y Aporías, donde a fuerza de dejar a un lado la subjetividad y el control de la expresión personal del fotógrafo, las imágenes acaban siendo decididamente personales y expresivas.

La concatenación de estas 12 fotos, realizadas entre 1997 y 2009 sin intención deliberada de constituir una serie distinta, genera un diálogo altamente metafórico para que el espectador reflexione sobre la diferencia entre crecimiento y desarrollo, naturaleza y paisaje, tamaño y grandeza.

Eduardo Gil es un uno de los fotógrafos más destacados de la Argentina y un maestro de fotógrafos. Expuso en muestras individuales en America latina, Europa, Estados Unidos y Australia. Su obra integra las colecciones de los grandes museos del mundo.

http://www.eduardogil.com
http://www.proyectodocena.com

Expo de Eduardo Gil el 21 de Bril en ASUNTOGAleria

2010-04-02T08:37:00.000-07:00

Proxima expo de la galeria de ASUNTO IMPRESO

EDUARDO GIL 21 de Abril 2010

Entrevista a Eduardo Gil hecha por la revista "Nuestra Mirada"

http://revistanuestramirada.org/galerias/eduardogil

Fotografias de Eduardo Gil, texto por Pablo Corral Vega

En San Telmo, el más tradicional de los barrios porteños, tiene su estudio Eduardo Gil, uno de los fotógrafos más reconocidos de Argentina. Se sube al tercer piso por uno de esos viejos ascensores que sólo perviven en Buenos Aires. En el estudio de Eduardo Gil hay una serie de cuartos convertidos en talleres y oficinas. Hay grandes fotografías en las paredes, y docenas de marcos arrumados que acaban de llegar de una exposición.

En las semanas que pasé en Buenos Aires conociendo a fotógrafos, escuché muchas veces el nombre de Eduardo Gil. No solamente por su arte con la cámara, sino porque se trata de un influyente maestro, promotor y curador. Tanto es así, que la mayor parte de los fotógrafos argentinos de la nueva generación han pasado por sus talleres

Eduardo es un hombre menudo que habla con la precisión matemática de un filósofo.

- ¿Cuándo comienza tu relación con la fotografía?

- Entré en el mundo de la fotografía por casualidad. Cuando se produjo el golpe de estado de 1976, yo era delegado sindical de una multinacional y fui inmediatamente fichado por la dictadura. Tuve que optar entre seguir con vida o renunciar. Como no sabía a que dedicarme, un compañero que hacia fotografía de casamientos y cumpleaños me dio algún trabajo. No me gustó mucho, por lo que empecé a hacer lo que más he hecho profesionalmente hasta hoy, que es fotografía de prensa. En un primer momento fue una forma de ganar el sustento. Luego me di cuenta de que la fotografía podia ser algo más que una forma de subsistir.

Eduardo Gil, © Pablo Corral Vega

- ¿A qué te refieres, qué descubriste?

- Toda mi fotografía de esa época es de denuncia, militante, pensaba que con mis imágenes podía hacer la revolución. Me di cuenta rápidamente que con la fotografía sola no se puede. Entendí que a lo sumo podía hacer pequeñas revoluciones internas, cambios insignificantes y cotidianos en mi. El arte en aquel momento era algo absolutamente lejano. El mundo pasaba por la política, por la militancia, por el conocer el mundo. Y poco a poco fue naciendo el amor por la imagen. Primero mi fotografía fue muy bressoniana: Leica, blanco y negro…, pero fruto del estudio y de la necesidad de cambio, fui transformando mi fotografía hasta lo que es en la actualidad, que no se parece demasiado, por lo menos en la superficie, a lo que hacía en aquellos años a principios de los 80.

- ¿Qué piensas de la fotografía documental?

No deberiamos considerar como sinónimos fotografía documental y fotografía de prensa.

La fotografía de prensa por definición es una fotografía con epígrafe (obviamente el contexto, la página impresa, las otras imágenes que la acompañan o el solo hecho de estar en tal o cual medio tambien actuan como epígrafe). Es decir, una foto en un diario no es una foto a interpretar. Es una foto que, se supone, deberia informar sobre una circunstancia ocurrida en tal lugar preciso y en una circunstancia puntual.

Respecto de la fotografía documental (y considerando que los documentos siempre se apoyan en acuerdos previos respecto de su legitimidad) podriamos sintetizar diciendo que existen dos opciones: que ninguna fotografía pueda ser un documento (en terminos de veracidad, objetividad y neutralidad) o por el contrario, que toda fotografía lo sea (tal como lo entendia Paul Strand) respecto de la necesidad de existencia de algo concreto frente al objetivo…

Esto se relaciona con el concepto barthesiano respecto del noema de la fotografía, el “esto ha sido”. Aca se emparenta toda la fotografía: tanto una foto carnet como una de una torta de bodas, una foto escenificada o una fotografía “artística”, todas muestra algo que “ha sido”.

Aunque aquí aparece la inmediata aclaracion: Barthes dijo “esto ha sido” y no “esto ha sido asi”… y ese es otro tema, el de la manipulacion y la crisis contemporánea respecto de los usos tradicionales de la fotografía, consecuencia en gran medida de la pérdida de fe en la veracidad de la imagen fotográfica.

- Me dijiste que no quieres darme ningún detalle sobre las fotos de (argentina), el ensayo que estamos publicando en Nuestra Mirada. Sólo sabemos que las fotos fueron tomadas en Buenos Aires.

(argentina) es entendido de una manera por un habitante de la Argentina que conoce nuestra historia reciente y todo el horror de la dictadura militar (más el período menemista), pero he visto que tambien que en otros lugares la gente reconoce cosas propias de la historia de su país y de su realidad es decir, hay ciertas cuestiones que ademas de los elementos individuales son universalizables.

Justamente, si yo doy la informacion de lo que estaba ocurriendo al hacer las fotos las literalizo, las cargo con informacion acotándolas solo a un momento y un único significado. La propuesta es que quien transita el trabajo busque simbolismos y asociaciones metaforicas en la relacion que se produce entre las imágenes completando y enriqueciendo mi trabajo.

Las fotografías fueron tomadas (entre 1985 y 2000) en Buenos Aires, pues es donde vivo. Intentan ser una metafora de la Argentina post dictadura hasta hoy.

- Tú te has alejado de la fotografía documental, ahora estás haciendo cosas mucho mas conceptuales. Nos puedes contar un poco cuál ha sido el proceso.

- En principio la fotografía que estoy haciendo es una fotografía directa, practicamente sin manipulacion posterior, salvo las correcciones previas a la impresión. Es fotografía color, en formato medio, y las copias miden 1 m x 1.2 m o más. No tienen ese tono de denuncia que se asocia por default con la fotografía documental pero creo que mi fotografía hoy es más documental que nunca.

En mis inicios usaba muchísimo el gran angular, buscando encuadres de fuerte impacto visual, tratando de incidir en la emoción del espectador con efectos de gran expresividad (mucho contraste, grano, etc.) Lo que hago hoy es exactamente lo contrario y esto ha sido fruto de un proceso de varios años.

Despues de (argentina) hubo un período intermedio en el que dejé el blanco y negro. Comencé a hacer color a modo de trípticos o polípticos que se cierran sobre sí mismos, de un tono más críptico o cargados de simbolismos. Este fue un período bisagra en el que aún estaban muy presentes algunas de mis obsesiones iniciales.

Más adelante tuve la necesidad de formatos mayores e impresiones mucho más grandes. Como parte de un trabajo de revisión crítica de mi producción anterior y de mis propios paradigmas comence una búsqueda en varias direcciones (Paisajes, Aporías, etc.) en las que basicamente trato de alejarme de toda anécdota, de los simbolismos y de las tentaciones expresionistas.

Me interesa conectar al espectador con la huella sensible de lo que elegí dejando que la potencia indicial se manifieste. Me fuerzo a una cierta abstinencia y trato de despojarme del oficio o de la “experiencia”. Me interesa la potencia de lo indicial.

- ¿Puede un fotógrafo moverse entre el mundo del arte y el documentalismo?

Para mi no son términos antitéticos. Si hablamos de fotografía profesional o puntualmente de fotografía de prensa, tengo absolutamente dividido mi cerebro. Cuando estoy trabajando en una nota pienso que me están pagando por un trabajo que un editor necesita. Generalmente disfruto mucho de mi trabajo pero tiene que ver con otras necesidades diferentes a las que pongo en juego en mi obra personal.

Tenemos que trabajar bajo requerimientos que a veces coinciden con nuestros gustos estéticos o ideológicos y otras no pero en todos los casos tiene que ver con necesidades de otros que tenemos que satisfacer. Mi receta es simple, cuando yo trabajo, trabajo. Estoy en un mercado altamente competitivo, de mucho nivel y donde debo esforzarme al maximo para lograr los estandards de calidad que se me piden. Trato de ser todo lo creativo y eficaz que puedo, pero ahí se termina la cosa. Buen trabajo, buena paga. Punto.

Cuando yo trabajo en mi obra, yo soy mi propio patrón. Soy el que se pone los límites, trabajo de acuerdo a mis ideas, obsesiones y planteamientos estéticos. El fotoperiodismo no es mi obra, no tiene que ver con mis necesidades estéticas sino con mis necesidades laborales.

- Los paradigmas están cambiando radicalmente con el advenimiento de lo digital y ahora tenemos millones de personas tomando fotos

- Estamos en un momento muy parecido a lo que pasó a fines del siglo XIX, cuando aparece la “Kodak 100 vistas” a un costo irrisorio. Esto provocó la irrupción de una legión de “salvajes” que se volcaron a la fotografía sin tener, como ocurria hasta entonces, la menor nocion de historia del arte, reglas de composicion o de lo que estaba esteticamente bien o mal. Estos “salvajes” son los que definieron gran parte de la estética fotográfica del siglo XX. Siempre digo que las reglas de composición se murieron en 1888 con la popularizacion de la Kodak. Creo que esta masificación y banalización de la fotografía actual hay que tomarla como algo positivo o como parte del contexto en el que quienes trabajamos con imágenes debemos abrevar.

- ¿Que les dices a tus alumnos respecto de la libertad y la necesidad de encontrar una voz auténtica?

Que tienen que escuchar sus necesidades personales, estudiar y trabajar duro para encontrar elementos propios, significantes, y por sobre todo, honestos. No podemos conformarnos con lo que ya tenemos, seguir instalandonos comodamente en la reiteracion de lo que Philippe Dubois llama las estéticas redundantes. Hay que preguntarse cada día si se puede tensar un poco más la cuerda, si se puede dar una vuelta más de tuerca, creo que esa es la clave. Deberíamos darnos la posibilidad de cambiar libremente.

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TséTsé cumple 15 años y te invita su fiesta!

2010-02-26T13:25:00.001-08:00

tsé~tsé

1995~2010

"15 años de tsé~tsé" un proyecto editorial independiente.

Asunto Impreso festeja el aniversario exponiendo en su galería de San Telmo las 97 ediciones del sello con obras de Gabriela Giusti, lecturas y performances los sábados de marzo y abril.

Inauguración: sábado 6 de marzo, 19Hrs.
Cierre: jueves 15 de abril.
Lugar: ASUNTOGALería. Perú 1064. San Telmo.

Asunto Impreso decide celebrar la locura, el obstinamiento y la audacia que considera ingredientes fundamentales para el sostenimiento de los proyectos editoriales de calidad inusitada como tsé~tsé.
Para ello ha organizado una muestra, un brindis, un ciclo que reunirá a destacados poetas, en el que se (re)presentarán 97 títulos y se soplarán 15 velitas.
Todo ello durante el mes de marzo en ASUNTOGALería (la parte de atrás de la Librería de la Imagen de Perú al 1000) .
La Alianza EDINAR (editores independientes de la argentina por la bibliodiversidad) auspicia los festejos.

La fiesta se inicia el sábado 6 de marzo a las 19 hrs.
A las 20 se soplan las velitas y se hacen anuncios especiales.
Y los sábados de marzo y abril habrá lecturas y performances a cargo de los poetas publicados por tsé~tsé.

Siempre a las 18:30 hrs. se presentarán:

sábado 6 de marzo: 19hs. Presentación de la editorial por Reynaldo Jiménez.

María Inés Aldaburu, performance sobre poemas de

Néstor Perlongher y Susana Thénon

sábado 13 de marzo: Patricia Jawerbaum, Juan Salzano, Romina Freschi
sábado 20 de marzo: Liliana Ponce, Roberto Cignoni
sabado 27 de marzo: Reynaldo Jiménez, Silvia Guerra
sábado 3 de abril: Mario Arteca, Andrés Kurfirst, Fernanda Castell

sábado 10 de abril: Santiago Pintabona, Patricio Grinberg, María Rosa Maldonado

En cada ocasión se leerán además de obra propia, textos de otros autores latinoamericanos publicados por tsé~tsé.

ASUNTO Galeria
|fotografía, street art, libros de artistas|
Perú 1064 – Buenos Aires –
mie a dom de 11 a 21 hrs
tel: (54 11) 4 361 8210
e-m: galeria@asuntoimpreso.com
www.asuntogaleria.blogspot.com
www.asuntoimpreso.com
Facebook: asunto galeria
Flickr: asuntogaleria

LOS CLUBES Alejandro Lipszyc jueves 10 de dieciembre 19 hrs

2009-12-03T11:34:00.000-08:00

Proyecto 12na y Asunto Impreso presentan:

LOS CLUBES

Inauguración Fotografica de Alejandro Lipszyc

inauguracion: jueves 10 de dieciembre 19 hrs.

Cierre: Sabado 30 de Enero 19 Hrs.

Lugar: Peru 1064, San Telmo.

Entrevista a Alejandro Lipszyc

1-¿Como te sentis viendo tu obra plasmada en un libro?

Fue muy emocionante ver por primera vez el libro. Fue este año en Arte Ba y quede re contento. Tener un libro es un sueño para cualquier fotógrafo y para mí, haberlo concretado fue maravilloso.

2- ¿A que se debe el titulo de la muestra y del libro, como trabajaste en estas obras, que sentías en la construcción? ¿Como las ves a la distancia?

Busque un título: "Los Clubes" que sea descriptivo. Soy bastante malo para titular, no me sale bien, así que opte por una elección de título que englobe el trabajo y sea fácil y directa. Fui haciendo el trabajo en etapas, siempre con mucho placer, pués siento un vínculo muy fuerte con los espacios fotografiados. Estar en esos lugares gigantes solo, te vuelve pequeño, y me encanta sentir esa sensación. Las veo con un sonido particular, me gustaría seguir sacando más fotos de Los Clubes en la Argentina, pero esta vez que haya alguna institución copada que me financie el proyecto!!!. Si no a los artistas se nos hace díficil seguir documentando nuestro mundo.

3- ¿En que estas trabajando últimamente? ¿que proyectos estas planeando?

Acabo de regresar de un viaje a Guatemala en donde fui invitado por el festival Photoespaña. Fue muy interesante pués tuve que presentar mis trabajos ante jurados internacionales. Y la verdad he vuelto muy contento y revuelto de las respuestas y del viaje.
Planeo terminar este año de la mejor manera, y si es posible empezar el próximo con unas vacaciones!!! El año que viene me gustaría dar clases de fotografía, estaría encantado si hubiese la posibilidad de hacerlo en un centro cultural o algo así.
Creo que el dialógo y la reflexión en nuestra tarea es muy importante, y compartirlo hace que nos volvamos menos locos!

LA SERIE DE LAS MIL MUERTES - ROSANA SIMONASSI.

2009-10-29T12:12:00.000-07:00

ASUNTO GALERIA tiene el agrado de invitarlos a la presentación y exposición de las obras originales de los libros de la 12na.

“Libridos” de artes visuales en pequeño formato, esta mes, de la fotógrafa Rosana Simonassi.

OBRAS ORIGINALES DEL NUEVO LIBRO DE LA COLECCIÓN LA 12NA, DE ROSANA SIMONASSI.

NOMBRE DEL LIBRO Y DE LA MUESTRA: LA SERIE DE LAS MIL MUERTES .

INAUGURACION: 4 DE NOVIEMBRE 2009, 19HS. ,CIERRE: 4 DE DICIEMBRE 2009 TECNICA: FOTOGRAFIA DIRECCION: PERU 1064, SAN TELMO. TEL: 4361-8210 Facebook: Asunto Galeria Mail:galeria@asuntoimpreso.com web: www.asuntoimpreso.com blog: www.asuntogaleria.blogspot.com

ROSANA SIMONASSI CV y entrevista.

Rosana Simonassi: Buenos Aires en 1974. Artista visual argentina formada en fotografía y artes. Es autora de series fotográficas, audiovisuales y cortometrajes; y desde sus comienzos se vio involucrada en el retrato de dinámicas no enajenadas. Exhibe extensamente desde 2000, y entre las mas recientes: Gallery TPW, Toronto; Plume Galerie, Paris; DIAGONALE Galerie Centre des Arts et des Fibres du Québec, Montreal 2005, y 2006; VVVGallery 2009; Galería ArtexArte 2006; Salón Nacional de Artes Visuales 2007 y Premio Lebensohn 2007 ambos Mención Especial del Jurado. Fue becada por el Consejo de Artes de Québec, y por el Ministerio de Cultura de la Nación. Recibió el premio Francisco Ayerza de la Academia Nacional de Bellas Artes en 2003. Hoy, continua con su proyecto fotográfico La serie de las Mil Muertes y con su serie de videos Bodas, donde ha regresado al uso de la imagen en movimiento para retratar diferentes procesos que no tienen una causa final. Vive y trabaja en la ciudad de Buenos Aires.

Entrevista a Rosana Simonassi que pueden incluir en sus notas con total libertad.

1- Rosana,¿Como te sentis viendo tu obra plasmada en un libro?

Lo mas interesante de que la obra este en un libro me parece que es el movimiento que toma con la distribuciòn en pequeño formato de una obra que de otra manera la ùnica forma de verla es en ambitos de galerìas u otras formas de exposiciòn. Ademàs me gusta la idea de que se vea un cuerpo de obra mas completo (incluyendo varias obras de una misma serie en una misma publicaciòn), que en el caso de publicaciones de obras aisladas. Es una sensaciòn generosa la que siento.

2- ¿A que se debe el titulo de la muestra y del libro, como trabajaste en estas obras, que sentías en la construcción? ¿Como las vez a la distancia?

En esta serie fotografío una y otra vez la escena de mi propia muerte.

Pero contra lo que el sano juicio sugeriría, estoy más del lado de la vida que de la muerte, más del lado del estar que del de desaparecer.

Partì, como en otras series ateriosres y posteriores, de mi inconfesable gusto por los trillers y pelìculas desde que tengo memoria. Pelis de las "buenas" y de las "malas".

Para armar estas fotos, trabajè en medio de la nada, en el campo o la ciudad, en general en soledad; con algunas ropas para cambiarme; preparando la imagen con tripode, haciendo varias tomas analògicas, no muchas... de cada escena. Las distintas ideas iban apareciendo a medida que pasaba el tiempo. Despuès simplemente armaba la escena, me tiraba en medio de la toma y hacìa disparar la càmara.

Busquè algo de informaciòn forense, còmo se presentan los cuerpos en escenas de este tipo, còmo los toma el fotògrafo de "turno". Y despuès todo esto devino en el libro "La Pesquisa", donde armè la pesquisa de la muerte de esta mujer, quien finalmente parece haber sido vista entrando a su casa...

3- ¿En que estas trabajando últimamente? ¿que proyectos estas planeando?

Bueno, acabo de terminar La Pesquisa donde continuo con la historia de esta mujer en un libro/caja, que pretende ser un informe policial con evidencia en imàgenes y objetos que le pertenecieron; junto con la proyecciòn digital de un video en loop de esta mujer caminando hacia la nada. La imagen del video se proyecta sobre un vidrio esmerilado, es decir que la obra se puede ver de ambos lados. Continuo haciendo nuevas muertes, y con la realización de la serie de videos Bodas, en la que regresè al uso de la imagen en movimiento para retratar diferentes procesos que no tienen una causa final.

Presentacion del Librido VIGILIA Bruno Dubner Jueves 1/10 - 19Hrs. ASUNTO GALERIA

2009-09-25T16:41:00.000-07:00

Los esperamos el jueves 1 de octubre desde las 19Hrs.
Para la presentacion del librido homónimo
de Bruno Dubner editado por ASUNTO IMPRESO
Coleccion la 12na
y la exposicion de 6 de sus fotografias de 100 X 100

Saludos cordiales
Asunto Galeria
Peru 1064 - San Telmo
facebook: asuntogaleria

1- Bruno,

¿Como te sentis viendo tu obra plasmada en un libro?

- Considero al formato libro en general, como un buen modo de ver fotografías.

Me interesa la lectura de imágenes en un orden preestablecido.

- ¿A que se debe el titulo de la muestra y del libro, como trabajaste en estas obras, que sentías en la construcción? ¿Como las vez a la distancia?

- La mayoría de las imágenes de Vigilia son del año 2005 y todas, salvo una, han sido tomadas durante la noche, y en mi casa de aquel entonces.

Me interesaba trabajar una luz que el ojo no percibe pero la cámara sí, razón por la cual una gran cantidad de las. fotos fueron hechas mediante muchas horas de exposición. Buscaba que ese modo de producción estuviese presente en las fotos.

A la distancia, veo a esta serie como un intento de llevar al límite una materialidad básica de la fotografía; La luz y su ausencia sobre la película.

¿En que estas trabajando últimamente? ¿que proyectos estas planeando?

- Desde hace dos años estoy trabajando sin la mediación de la cámara. Sostengo con mis manos placas fotográficas que expongo a distintas frecuencias de luz.

Diez de estas imágenes integran la muestra "Testimonio de un contacto", que tendrá lugar en VVV Gallery, desde el 16 de octubre hasta el 14 de noviembre de 2009.

miercoles 26 de gosto, Inauguracion de Horacio Zabala

2009-08-23T15:43:00.000-07:00

Novedades Asunto Impreso

2009-07-24T15:49:00.000-07:00

Un post especial dedicado a las excelentes novedades de La Marca Editora y Ediciones Asunto Impreso de este mes.

La Marca Editora

La secuencia del diálogo

Correspondencias visuales/ Visual correspondences
Autor: Brodsky / Esclusa / Vasconcellos / Ortiz Monasterio / Parr / Hoheisel
Editorial: la marca editora
ISBN: 978-950-889-183-9
16 cm. x 22 cm.
334 pgs.
Encuadernación rústica
PVP $130.-

Analiza, analizador… ¿Qué es una imágen?

Introducción al análisis de la imagen
Autor: Joly, Martine
Editorial: la marca editora
ISBN: 978-950-889-178-5
14 cm. x 20 cm.
173 pgs.
Encuadernación rústica
PVP $40.-

Semiología de la imágen visual

La imagen fija
Autor: Martine, Joly
Editorial: la marca editora
ISBN: 978-950-889-059-7
15.5 cm. x 22.5 cm.
208 pgs.
Encuadernación rústica
PVP $55.-

Dialogando con Michel Foucault

El yo minimalista y otras conversaciones
Autor: Foucault, Michel
Editorial: la marca editora
ISBN: 978-950-889-175-4
15.5 cm. x 20 cm.
192 pgs.
Encuadernación rústica
PVP $55.-

Otra vez “el flaco”

Guitarra negra
Autor: Spinetta, Luis Alberto
Editorial: la marca editora
ISBN: 978-950-889-014-2
14 cm. x 20 cm.
112 pgs.
Ilustraciones b&n
Encuadernación rústica
PVP $35.-

Asunto Impreso

Ahondar en la nada

Vademecum para artistas. Observaciones sobre el arte contemporáneo
Autor: Zabala, Horacio
Editorial: Asunto Impreso ediciones
ISBN: 978-950-533-017-1
15.5 cm. x 22.5 cm.
192 pgs.
Ilustraciones b&n
Encuadernación rústica
PVP $39.-

¡Por fin una Guía de librerías de Buenos Aires!

El libro de los libros. Guía de librerías de la Ciudad de Buenos Aires
Autor: Indij, Guido/ del Campo, Florencia
Editorial: Asunto Impreso ediciones
ISBN: 978-950-533-018-8
10.5 cm. x 15.5 cm.
208 pgs.
Encuadernación rústica
PVP $29.-

Presentaciòn del Libro y los dibujos de "El negro es un color" de Julio Silva, Jueves 23 de Octubre, 19hrs.

2008-10-08T17:15:00.000-07:00

Un 12na es una docena de imágenes. El número 12, con su tradición milenaria, promueve la alquimia de transformar la agrupación de elementos individuales en nuevos cuerpos colectivos. El proyecto 12na continua esta línea de trabajo en tanto se propone como un formato enciclopedista y universalista de clasificación del mundo a través de sus imágenes. 12na le propone a nuestra mirada contemporánea una experiencia de relectura permanente sobre las huellas del pasado y del presente.

12na es, sin más, un proyecto original sin precedentes.

El Proyecto 12na se propone como un formato enciclopedista y universalista de clasificación del mundo a través de sus íconos e imaginarios visuales.

Una 12na son doce imágenes de un autor: artista plástico, fotógrafo, arquitecto, diseñador…

También pueden ser doce imágenes de diferentes autores ligados por una época, un espacio de publicación, una temática, una idea…

Producto de la globalización y de la centralización de los medios de comunicación e industrias culturales, ha surgido la necesidad de conocernos -reconocernos y darnos a conocer

Una de las maneras de atender a estas necesidades es la de resaltar a nuestros artistas consagrados y la de crear espacios de divulgación para los emergentes.

La colección 12na se propone como un canal abierto a la libertad de expresión, la diversidad cultural y la difusión de la producción independiente de arte, creando un espacio innovador: pequeñas publicaciones con alta visibilidad y rotación. De esta manera le devolvemos a la obra visual la cierta riqueza material que los nuevos medios tecnológicos de comunicación masiva no permiten. Rápidamente se construye una red que revaloriza la cultura a través del libro: El papel, la tinta, la encuadernación. Se recupera así al libro-objeto a través de un sistema de distribución que nos conecta con el otro por medio un objeto tangible.

El dia 23 de Octubre a las 19:00 hrs, se presentará un nuevo Docena, El negro es un color de Julio Silva, junto con la exposición de las obras del artista.

Durante la inauguración los esperamos con empanadas caseras y un buen vino tinto.

2008-10-08T17:02:00.000-07:00

Gacetilla de prensa

Inauguracion Julio Silva

23 de Octubre 19:00 hs

El negro es un color. Muestra en Asunto Galería.

Exposición de obras y presentación de

El negro es un color Colección 12NA

LAMARCA EDITORA

ASUNTOGaleria se complace en presentar (después de 24 años de ausencia porteña) a un amigo de la casa, Julio Silva.

Conocimos a Julio Silva en la edición de Silvalandia de Argonauta de 1984. Maravilloso libro que reúne sus pasteles al óleo con las prosas que Julio Cortázar le dedicara en 1974, fuera editado en México en 1975 y del que existen versiones en francés, español, alemán, italiano y polaco.

Al aparecer su primera edición francesa, el diario Liberation la festejó con esta descripción: “Tolkien y Cortázar en los zuecos de los Reyes Magos“.

Fue veinte años más tarde cuando su nombre apareció mágicamente en mi pantalla, presentándose desde el vamos como amigo y acusándome de ser un buen editor.

Lo segundo resulta enteramente subjetivo; lo primero pude constatarlo luego y otros, por supuesto antes que yo, pues la amistad es un rasgo estigmático en Julio Silva. Es ante todo un amigo de sus amigos, con todo el peso que ello tiene y la responsabilidad con que ha asumido el cuidado de la memoria de sus amigos más grandes, más caros.

Aún faltaba entonces un año para poder agradecerle su estima predatada, apreciar en París su inconcebible colección de esculturas y máscaras africanas, el acceso irrestricto a su prolífica obra y por sobre todo su amistad que, precipitada por los taninos y las exquisiteces que sólo un dedicado gourmet como Silva es capaz de ofrecer, era catalizada cada noche por su don de charla.

“El escritor tiene sus traductores, en cambio al pintor es sólo el poeta quien puede traducirlo“, me dijo mientras me mostraba los inéditos de Saúl Yurkievich (cuya edición nos prometimos) y enrollábamos las obras que aquí presentamos.

Recuerdo que en su conversación también citó a Lautremont, a Cortázar y a Matisse que le puso nombre a este líbrido: «El negro es un color de igual importancia que los demás», ¿te das cuenta?

Guido Indij

Aprovechamos para contarles que estamos trabajando en una nueva colección. ¡Una monada de colección! La colección DÚO trabaja sobre la idea de la colaboración entre un pintor y un escritor.

El primer título de esta colección será Simulacro de ausentes de Saul Yurkievich y Julio Silva. Un libro elegante, cuidado que trasmite un legado poético y testimonia una amistad creativa.

A fin de solventar los gastos de esta edición, Julio Silva ha puesto a disposición de la editorial 30 obras originales que serán ofrecidas a un precio de oportunidad a los amigos, los coleccionistas, los mecenas del arte y la poesía.

Otros títulos que pergeñamos en esta colección son:

Escrito en el aire de León Ferrari y Rafael Alberti

El comercio de los pensamientos de Jean-Luc Nancy y Antonio Seguí

El discurso del Pinchajetas de Julio Cortázar y Julio Silva

[Se agradece su difusión]

Contactos de prensa:

galeria@asuntoimpreso.com/43618210

mailto:prensa@lamarcaeditora.com

Mario Bravo 441 Capital Federal, Buenos Aires.

Aprovechando su visita a la Argentina, el día 25 de octubre a las 19 hrs., Julio Silva inaugurará con la muestra "Pálidos Palimpsestos", un nuevo ciclo de vida del Archibrazo, legendaria editorial surrealista animada por Juan Andralis, su hermano de ruta durante más de treinta años. El Archibrazo reinaugura su actividad de difusión del surrealismo y el arte contemporáneo, en sus diversas manifestaciones, con un pie en la realidad cotidiana y un pie en la otra parte que cierra el círculo que es el mundo de los sueños.

Julio Silva nació en 1930 en Concordia (Entre Rios). Fue Leopoldo Marechal, su maestro de sexto grado de la escuela primaria quien lo alentó en su deseo de emprender el estudio de las artes plásticas.

Hacia 1950, Juan Batlle Planas, lo tomó como alumno en su taller, semillero de talentos, donde compartieron el gusto paralelo por la literatura: Lautreámont, Baudelaire, Borges, Cortázar.

En 1955, al llegar a París el encuentro con éste último dio origen a una larga amistad y colaboración artística que se corporizó en una serie de libros, entre los cuales resulta inevitable mencionar Les discours du Pince-Gueule (1966), La vuelta al día en ochenta mundos (1967) y Último round (1969), Silvalandia (1975). En 1970, durante un viaje por Italia, el pintor descubrió Carrara y el mármol, que despertó en él su instinto del volumen. Silva, ha realizado en Francia dieciocho esculturas monumentales in situ, entre ellas “Piègemalion“, erigida en el Forum des Halles de París, y “Dame-Lune“, en la terraza de La Défense de la misma capital. En el año 2001 realizó La fuente “Panta Rhei “, en Massa (Toscana).

Ha realizado exposiciones personales en galerías de Europa, America Latina y Estados Unidos, así como en los museos Sainte-Croix de Poitiers y el Centre Georges Pompidou de París. Esta muestra pretende acercar una parte de la prolífica obra de Silva al público argentino, celebrando la exhibición que pondrá fin a tan postergado encuentro.

Entrevista a Julio Silva, que el 23 de Octubre expone obra en ASUNTO GALERIA

2008-10-01T11:54:00.000-07:00

Tomada de El Espectador, Julio 2008

Cortázar, el enorme

Hace cuarenta y cinco años, Editorial Suramericana publicó la novela con la que Julio Cortázar sentó las bases de la narrativa moderna latinoamericana. Los artistas argentinos Luis Tomasello y Julio Silva, comparten anécdotas de tres décadas de amistad con Cortázar en París.

por Ricardo Abdahllah, EL ESPECTADOR

“Cuando estés allá, vé y decíle a Julio que lo queremos mucho” le encargaron algunos amigos al escultor Julio Silva cuando supieron que se iba para París. El recado encerraba ya que Silva sería el “otro Julio”, pero no le molestó y aún se refiere a sí mismo de esa manera. Con eso en mente, bajó del tren en Gare Saint Lazare en Marzo de de 1955. No tenía mucho dinero ni pasaje de regreso y sabía que tendría que trabajar en lo que fuera, pero sabía también que en Buenos Aires ya había visto lo que había para ver. Sólo un amigo lo esperaba, pero el círculo de conocidos fue creciendo y las cosas mejoraron. Algunas semanas después de su llegada, Silva se detuvo frente al edificio de la UNESCO en la Avenida Kléber para transmitirle al otro Julio el mensaje que le habían encomendado.

“Abrí la puerta de su oficina, él estaba sentado en su escritorio y como era tan alto me pareció que nunca iba a acabar de ponerse de pie” dice Silva en su apartamento cuyos tres niveles están casi del todo ocupados por las máscaras que colecciona. La mayoría son africanas, pero hay también asiáticas y centroamericanas. Las méxicanas se distinguen por lo coloridas. Silva dice que no sabe cuántas tiene y organiza las fotografías para el catálogo de lo que será una donación importante a un museo de Buenos Aires. En las paredes pueden verse algunos de sus dibujos originales. Por número, están en desventaja frente a las máscaras, pero es más notoria la diferencia de temperamento. Las máscaras, las nigerianas sobre todo, inspiran miedo a los mortales y al menos respeto a los temerarios; las figuras en las pinturas de Silva siempre parecen estar sonriendo o al menos intentando sonreír.

Decir que parece que Silva hubiera pintado cronopios parecería fruto de un exceso de emociones cortazarianas, sino fuera porque Silva hizo también la portada de Historias de Cronopios y de Famas. Del encuentro en la oficina de la Avenida Kléber, una vez que Cortázar terminó de ponerse de pie, nació una amistad de la que salieron innumerables cenas y un buen número de proyectos comunes. Silva fue el responsabe de la original diagramación de La vuelta al día en ochenta mundos y con sus dibujos inspiró a Cortázar los textos de Los discursos de Pinchajetas y Silvalandia. La portada de esta obra muestra a los dos Julios con cara de cronopios que le tendrían miedo a un ejército de máscaras camerunesas. En el dibujo Cortázar es el más pequeño de los dos.

A lo mejor no están dibujados en proporción a su estatura real sino a su capacidad culinaria.
“Silva es un cocinero excelente” dice Tomasello “Cuando cenábamos con él y con Cortázar y Yurkievich en mi casa, yo hacía algo sencillo. Una milanesa o una pasta, que también le gustaba a Cortázar. Silva en cambio inventaba cosas”

Como Cortázar y Silva, Luis Tomasello es argentino y desembarcó en París en los cincuenta. Desde hace cuarenta y cinco años, vive cerca del cementerio de Père Lachaise en una casa que ha ido agrandando a partir de el taller original que le compró a un carpintero que lo tenía abandonado y en el que adaptó un apartamento. Conforme pudo mover los muebles y ampliar la construcción, la habitación inicial ha vuelto a ser un taller. Llueve y hay un gato negro que no se ocupa de uno de esos ratoncitos pequeños de metro que vagabundea entre los listones de madera. Tomasello, aunque se recupera de una pierna rota, no deja de trabajar en las esculturas cinéticas a las que se ha dedicado desde los sesenta, por la época en la que una arquitecta argentina que lo conocía le dijo que una pareja con la que ella había trabajado buscaba alguien para que les pintara su apartamento. Aunque Tomasello no era ese tipo de pintor, las finanzas no iban bien y ese trabajo le permitría ganar algún dinero mientras llegaban las exposiciones y los compradores.

La casa en la Plaza del General Beuret que Tomasello pintó sigue siendo el hogar parisino de Aurora Bernárdez y el apellido Cortázar aún puede leerse en el buzón. Fue allí donde el escritor terminó Rayuela, que había comenzado en un cuartico del 7ème mientras trabajaba en El Perseguidor. Ese cuento, el mismo Cortázar lo dijo, abrió para él en cuestiones de fondo el camino que Cronopios y Famas le abriría dos años después en cuestiones de forma. Para 1960, Cortázar ya tenía claro que escribiría una novela “como The Moonstone de Wilkie Collins” y que la acción pasaría por mitades entre París y Buenos Aires. En una carta escrita en mayo del 61, confesaba que durante un viaje a Viena había terminado su primera versión de “La” Rayuela.

“Con Yurkievich decíamos que la verdadera biografía de Cortázar eran sus cartas y él lo sabía” dice Silva “Decía que no le gustaban el estilo ‘epistolar’, pero cuando las escribía lo hacía para él tanto como para su destinatario; así fue haciendo un registro de su vida y perfeccionó su escritura.”

La carrera literaria de Cortázar había empezado con Presencia un libro de poemas que pasaba por líneas del tipo Yo te pido, Señor, que esta existencia
vista su faz de nieve no posada, que incluía métrica y rima y que pasó desapercibido. Pasarían diez años antes de su siguiente publicación, el cuento “Casa Tomada” que apareció en Anales de Buenos Aires gracias a los oficios de Jorge Luis Borges. En el 51, una beca por diez meses le permitió viajar a París y un diploma de traducción obtenido tres años antes le permitió encontrar trabajo en la UNESCO y quedarse.

“Cortázar era muy disciplinado con su trabajo en la UNESCO pero a veces también escribía a escondidas en la oficina. Quién sabe cuánto de Rayuela fue escrito mientras sus superiores pensaban que estaba haciendo una traducción” dice Tomasello mientras sigue con la mirada al ratoncito de metro. A parte de las esculturas cinéticas y los materiales de trabajo, muestra también algunos de los catálogos que Yurkevich y Cortázar escribieron para sus exposiciones “Lo cierto es que Cortázar escribía mucho” continúa “Yo todavía tengo una de sus cuatro máquinas de escribir portátiles que me regaló diciendo ‘por si la necesitás’”.
“Cuando terminaba el horario de trabajo, se iba a caminar como siguiendo los consejos de Aragón en Un paisano en París. Uno podía encontrárselo en el Sena o por la Galería Vivianne. Una de las cosas que decíamos de París es que había esquinas que te hacían pensar en Lautrémont o en Nérval, que cada calle encierra un hecho histórico. Eso le gustaba. Era muy transeúnte y eso se le nota en los cuentos, en el Jardín de Plantas de Axolotl en los peces del quai de la Mégisserie en Rayuela” dice Silva. Luego añade que si Cortázar tuvo sucesivamente cuatro autos, todos de modelos baratos, era porque los usaba para ir a su finca en Saignon, en el corazón del midi¸el sur de Francia.
Los cuatro argentinos tenían un gusto enorme por la región donde Cortázar tenía su casita de campo y allí solían pasar el verano con sus familias. Due en la autopista del sur que Saúl Yurkevich, el último del grupo en llegar a París, tuvo el accidente de auto que le costó la vida en el 2005.

“Yo tenía una casita de campo cerca de la Cortázar” dice Tomasello “allá se entrenaba con Silva en el boxeo, o jugaban más bien a boxear, él esribía y nosotros pintábamos y no faltaban el mate y los asados. Aquí tomábamos mate también cuando trabájabamos juntos con la madera. No era muy hábil, pero le gustaba hacer cosas y en ciertas temporadas tuvo en su casa un rinconcito donde hacía esculturas con metal o con madera. Las tres veces que se cambió de casa en París me llamó para reacondicionar los estantes de su biblioteca. Se entusiasmaba, pero al cabo de un rato se ponía de pie y decía ‘Es el momento de hacer una pausa húmeda’. ..
Y cuestión de efecto, de mirar todavía el ratoncito, Tomasello hace una pausa para preparar la risa que sigue después.
“Una pausa húmeda era un whisky” dice “Siempre tenía whisky del mejor”.

“Tomaba, digamos que correctamente y le gustaban los vinos que le ofrecía” dice Silva “y fumaba; gitanes sobre todo y habanos que le llegaban de Cuba. Lo que traía para las cenas era mejor. La gente venía siempre con una botella de vino o un postre. Cortázar traía una historia, ese era su aporte. Comenzaba a contar algo que le había ocurrido en el metro y al cabo de diez segundos todo mundo estaba subyugado porque además de que contaba tan bien hablando como lo hacía escribiendo, sus historias eran maravillosas; eran el tipo de cosas que uno no creería pero que a él le pasaban de verdad”.

“Era un tipo solitario, pero cuando él era amigo, era un amigo total. Esa era una de las razones por las que todo mundo lo quería. Otra era que su conversación era magnífica. Sabía mucho de pintura y la fama de experto en el jazz es justificada, pero nunca sonaba como el tipo que se jacta de saberlo todo. Así como cautivaba un grupo de intelectuales podía hacerlo con un panadero o un obrero de construcción” dice Tomasello.
“Lo que pasaba es que cuando se trataba de conversaciones intelectuales, el único interlocutor posible habría sido él mismo” dice Silva.

Había mucho de conversaciones ‘intelectuales’ en el manuscrito que Cortázar le entregó a Alejandra Pizarnik a principios del 63. Siempre escribía a máquina, pero corregía a mano y de ahí tuvo la idea de que si la poeta argentina le ayudaba a transcribir las correcciones, él se ahorraría mucho de trabajo y ella, que por ese entonces tenía 26 años y trabajaba transcribiendo fichas, podría ganar algo de dinero extra. De ahí vienen las anécdotas sobre Cortázar llamando en la madrugada a la casa de Pizarnik mientras ella se negaba a responder el teléfono porque no tenía idea de dónde había dejado el original de Rayuela, que una vez recuperado y terminado de corregir, Cortázar puso en las manos del otro Julio.
“Lo primero que me impresionó fue el tamaño del paquete, pero apenas comencé a leerlo sentí como si alguien me hubiera entregado una bomba sin darme ninguna idea de cómo manejarla o qué precacuciones tener. Pasé un mes en un sofá con esa bomba a todo momento; un mes en el que dormí, comí y cociné con Rayuela entre las manos”.

El 2 de junio de 1963, antes de un viaje a Italia y luego de haber anunciado desde mayo del 61 que su novela estaba terminada, Cortázar envío por avión los manuscritos a su editorial en Buenos Aires. Una y otra vez se había preguntado si Editorial Suramericana se arriesgaría a publicar un texto largo tan experimental. Lo que siguió fue un reconocimiento inmediato, el inicio del boom latinoamericano del que todos su miembros, Cortázar incluído, desconfiaron. Rayuela marcaría el punto más alto en su carrera.
Las traducciones al francés y al inglés aparecieron en el 66. Sus siguientes libros serían menos comprendidos por la crítica, en parte por lo lejos que quizo llegar con su experimentación y en parte por razones políticas, pero los lectores siempre lo siguieron queriendo.
“Rayuela lo hizo mucho más conocido, pero no cambió con sus amigos. Nunca le interesó promocionarse ni hacer parte de esos círculos cerrados de escritores. dde Cortázar todo mundo tendría que decir que tenía una corrección y una amabilidad que salían a la vista” dice Silva.

“Y así pasó la vida hasta que se fueron muy rápido y yo tuve que enterrarlos a los tres” dice Tomasello. “Primero fue el gato que tenían, Coronel, que traje desde el midi en tren, se murió de indigestión y está enterrado en el patio de mi casa. Luego, después de un viaje que hicieron a Nicaragua, Carol volvió muy enferma y hubo que internarla. Su muerte fue terrible para Cortázar, porque de sus tres mujeres ella fue el amor de su vida. Él murió un año y medio después, casi sin salir de la casa donde los dos vivían por el Canal Saint Martin”.

. “Seguiré leyendo sin distraerme, sabiendo que me están mirando, que el pájaro Emilio se prepara a saltar a mi hombro. Jamás se lo permitiré; nunca seremos cinco en Silvalandia.”
Julio Cortázar, Silvalandia.

“Al final yo lo visitaba casi todos los días en el Hospital Saint Lazare. Yo llevaba en mi auto las setenta copias que él debía firmar de Diez el Negro, el último trabajo que hicimos juntos” dice Tomasello “Tres días antes de morir, me preguntó por el libro. Bajé al coche y subí las copias. Le tomó dos horas firmarlas. Yo le decía ‘Dejá para mañana’ y él contestaba ‘No, mirá, que mañana a lo mejor ya no estoy’”.

La complicidad sútil y como displicente de Luis Tomasello juega a ordenar lo desordenado, a peinar minuciosamente la cabellera de la luz, pero por debajo de esta disciplina hay el placer de liberar
Julio Cortázar La alquimia siempre

“Cortázar era enorme. Cuando murió trajeron una camilla normal, pero no cupo así que tuvieron que ir a buscar una camilla más grande y yo me quedé con él dos horas, solito ahí, tan grande como era”

Tomasello había hecho la piedra tombal para Carol en el Cementerio de Montparnasse. Dice que Cortázar la eligió ya pensando que él “pronto necesitaría su lugarcito”. La escultura que adorna la tumba también fue elegida para Carol por Cortázar, que la vio en la casa de Silva. Era la representación de uno de los dibujos que “el otro Julio” había hecho para Silvalandia.
“No hay mucha relación con lo mío, pero sí con lo que escribía Cortázar, esos bichos raros” dice Tomasello “La escritura de Cortázar es el hilo entre mi piedra y la escultura de Silva y el resultado es una linda tumba.”
Silva vuelve a hablar de un hilo, dice que para él los amigos de Cortázar eran como perlas y Julio era el hilo que los unía.

***

Por causa de una de esas tradiciones inventadas por los lectores jóvenes, que a Cortázar siempre le sorprendieron porque Rayuela le parecía una novela de adultos, las personas que visitan la tumba en Montparnasse, suelen dejar (sobre la piedra funeraria hecha por Tomasello, al lado de la escultura de Silva) una rayuela dibujada en un tiquete de metro o una hoja de cuaderno. Le digo a Tomasello que la pregunta más obvia que se haría la gente que deja esos papelitos es si hay alguna relación real entre los amigos-perla de Cortázar y los miembros del Club de la Serpiente, tan inmersos en sus diálogos metafísicos y sus manías de tipo organizar alambres y platones y unir tablas de ventana a ventana.
“No sé si podría decirse que hay una relación entre Rayuela y nosotros; a lo mejor, pero su novela tiene mucho de misterio y de juegos” dice Tomasello y hace tres intentos para aplastar con el pie al ratoncito de metro antes de regresar a los pequeños cilindros de madera que lima con un ángulo determinado y encaja por millares en las planchas enormes que constituyen sus esculturas cinéticas “Es una pena pero vieras después como se reproducen” dice a propósito del ratón. Ya se ha dado la vuelta cuando vuelve a hablar de Cortázar.“No sé por qué se nos murió tan jóven ese diablo”

“Rayuela, es un collage, una unión de elementos como los cuadros de Archimboldo. Eso hace que la gente establezca identificaciones. Cortázar era Oliveira, Edith Aron era la Maga, pero Cortázar los idealizó porque si los describía tal como eran o cómo éramos, la novela sería una descripción chata del cotidiano y no se le sentiría esa fuerza enorme que tiene” dice Silva. Luego vuelve de sus máscaras de todas partes del mundo que ya casi no le van dejando espacio.

París, Julio- 08

23 de Octubre: Julio Silva desde Francia

2008-09-28T11:50:00.000-07:00

Pronto biografia de nuestro proximo artista,
por ahora pueden ver info
de las exposiciones recientes en:
flickr: www.flickr.com/photos/asuntogaleria
facebook: asunto galeria

ASUNTO GALERIA participa de La Semana de Arte Buenos Aires 2008

2008-09-12T13:16:00.000-07:00

Buenos Aires Art Week 2008

The 5th edition of the Buenos Aires Art Week, an interdisciplinary event merging art, music, guided tours, lectures on cultural topics and Gallery Nights will take place September 21-27, 2008.

The official opening will take place on Sunday, 21 September at 4pm at Parque Thays, with an open air concert by the Esteban Morgado Quartet and a performance by a duo of international tango dancers. (In case of rain, this event will be postponed until Sunday 28 September at the same time).

Activities associated to lectures begin on Monday, 22 September, and the Gallery Nights night tours in Palermo, San Telmo / Puerto Madero and Retiro / Recoleta are scheduled for Wednesday 24, Thursday 25, and Friday 26 September, as of 7 pm.

The Art Week will close with a drawing festival held at Av. de Mayo on September 27, from noon to 4 pm approximately; it will include music, theatrical plays, puppet shows, and all the necessary elements for families to enjoy a unique celebration.

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La Semana de Arte Buenos Aires 2008

Del 21 al 27 de septiembre de 2008, se llevará a cabo la 5ta edición de La Semana del Arte Buenos Aires, un evento interdisciplinario que conjuga, arte, música, visitas guiadas, conferencias de temáticas culturales y noches de Gallery Nights.

La inauguración oficial será el día Domingo 21 de septiembre a las 16 hs. en el Parque Thays con un concierto al aire libre de Esteban Morgado Cuarteto y una pareja de bailarines de Tango internacionales. (se suspende por lluvia para el domingo 28 a la misma hora)

Luego, a partir del lunes, comienzan las actividades vinculadas con las conferencias y los días miércoles 24, jueves 25 y viernes 26 de septiembre están previstos los recorridos nocturnos de Gallery Nights en Palermo, San Telmo / Puerto Madero y Retiro / Recoleta a partir de las 19 horas.

El cierre será con un festival de dibujo en la Av. de Mayo el día 27 de septiembre desde el mediodía hasta las 16 hs. aproximadamente, donde habrá música, teatro, títeres y todos los materiales necesarios para vivir un festival único para la familia.

LUNES 18 DE AGOSTO , 19hs. MUESTRA EN ASUNTO GALERIA

2008-08-16T17:27:00.000-07:00

Nicolas Sarmiento

Marcos Zimmermann

Andrea Ostera

Marcos Lopez

En conmemoración del fallecimiento de nuestro Libertador

Don José de San Martín, y en consonancia con el Festival de la Luz,
ASUNTOGALERÍA los invita a coleccionistas y amigos a la inauguración
del lunes 18 de Agosto (feriado), a las 19hs. con vino y empanadas.

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Espacio Galeria: "LOS PORTFOLIOS de Marcos López + Andrea Ostera +Marcos Zimmermann publicados por lamarcaeditora en el año 2000".

3 fotografos Argentinos bestiales. Pronto estaran en la historia del arte, aprobechá a conocerlos ahora. Paisajes zen de claroscuros en Zimmermann, surrealismo técnico en Ostera, el archivistico Pop Latino de nuestro vecino Lopez. Sopresas y extasismo para todos los gustos.

Espacio Vidriera: Nicolas Sarmiento. Viaja desde de su flickr de dibujos y su patio lleno de pájaros, a envolver nuestras vidrieras de naturaleza.
www.flickr.com/photos/chupetin_de_brea

Espacio Biblio: y si, Fotografía!! … Uniendonos al Festival de la Luz, hacemos gala de nuestra colección unica de libros sobre fotógrafos. Nos eventuramos por los depósitos de la mansión Asunto Impreso y rescatamos lo ultimo y lo primero. Tenemos una mesa iluminada solo para que los veas cómodo. No olvides traer tu lista de preferidos.

PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora
(edición años 2000, sólo 9 ejemplares, úlimos disponibles):

Pop Latino
de Marcos López.

"Mi obra es basica. Simple. Obvia. Lineal. Emocional.
Como dice la cancion: "…Rio Manzanares, dejame pasar, que mi madre enferma, me mando a llamar".

PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora
(edición años 2000, sólo 9 ejemplares, quedan menos):

La colección y Conciso, sucinto, preciso
de Andrea Ostera.

"Puedo pensar mi obra en un terreno
en el que se cruzan el conceptualismo, el minimalismo y el arte de proceso".

PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora
(edición años 2000, sólo 9 ejemplares, pocos disponibles):

Patagonia, portfolio íntimo
de Marcos Zimmermann

"Mi trabajo es el fruto de miles

de kilómetros recorridos por el territorio argentino,

con el único objetivo de mostrar algunos rasgos de una

identidad nacional, a veces difusa o a veces perdida.

Quiero destacar estas presencias, que viven en cientos

de rincones del país, que constituyen nuestra esencia
y que permanecen para siempre en el corazón de quien
alguna vez las vio".

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Biografias:

Marcos Lopez nació en la ciudad de Santa Fe en 1958. Su trabajo gira en torno al retrato,
desde una mirada sumamente personal que ha desarrollado a lo largo de su carrera.
Lejos de documentar individuos, Lopez construye personajes que ofrecen una mirada
muy particular sobre su entorno. Ha incursionado en la pintura, el fotoperiodismo
y la dirección de arte y de fotografía para publicidad televisiva.
Actualmente trabaja en su estudio de la calle Finochietto, en Barracas, Buenos Aires.

2006 "Laurits & Lopez" Tallinn Art Hall's gallery – Tallin – Estonia
"Surrealismo Criollo" – Sala Puertas de Castilla – Fotoencuentros 06 – Murcia – España
2005 Galería Ruth Benzacar. Buenos Aires, Argentina.
"Artista Invitado Extranjero". FIA -Feria Iberoamericana de Arte-. Caracas, Venezuela.
"Al sur del realismo". Galería White Box. Nueva York, Estados Unidos.Victor Barsokevitsch
Photographic Centre, Kuopio, Finlandia.
2004 Galería KBK. México DF."Poplatino". Sanomatalo. Helsinski, Finlandia "Sub-realismo Criollo".

Andrea Ostera: Nació en Salto Grande, Santa Fe, en 1967. En sus propias palabras,
sus fotografías son "impresiones por contacto que revelan la vulnerabilidad de las cosas a la luz".
La serie aquí presentada escapa de caer en la vacuidad del minimalismo,
sino que sugiere algo orgánico, corpóreo, pero a través de una abstracción.

Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Rosario.
Su obra integra las colecciones del MNBA y MAM en Buenos Aires,.
Entre las distinciones recibidas figuran el Diploma al Mérito de la Fundación Kónex (2002),
la Beca Fulbright-Fondo Nacional de las Artes (1999) y la Fundación Antorchas (1997),
el Programa de Becas para Artistas Jóvenes, coordinado por G. Kuitca (1997).

Marcos Zimmermann: Nació en Buenos Aires, Argentina,
en 1950. Sus fotografias parecieran inquirir acerca de la identidad de nuestro pais.
En este caso, el portfolio Patagonia, exhibe una serie de 10 fotografias que no solo
hablan del entorno donde fueron tomadas. La inmensidad que retratan estas imágenes
no nos pierde, nos halla, nos invita a preguntarnos por nosotros mismos, a tomar lugar.

Desde 1989 Zimmermann trabaja en la realización de libros fotográficos.
Entre ellos se cuentan: "Patagonia, un lugar en el viento"; "Río de la Plata, río de los sueños";
"Norte Argentino, la tierra y la sangre"; "Argentina, naturaleza para el futuro" y otros.
Ha recibido el Premio al Mejor Libro de Arte Argentino, el Premio Pirámide de Oro
y el Premio Leonardo. En 1999 su obra pasó a formar parte del patrimonio del Museo
Nacional de Bellas Artes de la Argentina y del Museo de Arte Moderno de la ciudad
de Buenos Aires. Actualmente trabaja en tres nuevos libros y ha sido invitado por
el maestro japonés Eikoh Hosoe a realizar una muestra en la Shadai Gallery de Tokio.

Cierre de Ral Veroni con brindis Sabado 9 de Agosto, 19hs.

2008-08-08T12:29:00.001-07:00

Ral Veroni y Guido Indij

2008-08-08T12:20:00.000-07:00

Guido Indij y Ral Veroni en ASUNTOGALERIA

Fotos Julio 2008 ASUNTO GALERIA

2008-08-08T11:01:00.000-07:00

Catherine Meriko Black, la directora de El sol de San Telmo,
Soledad Ballvé , encargada de la libreria en Wussmann Gallery
y César Menegazzo Cané director de Wussmann!

Gracias por pasar a todos!

Todos tomaron sus vasos de vino tinto y miraron libros.

Se comieron empanadas hechas por Nize, de Una Casa.

Dibujantes y juventud.

Lux, Marcela Sinclair, Hernan y varios mas.

Carlos Baragli, de www.thisisnotagallery.com

Marcela la negra y amiga, muralistas y pintoras.

Los chicos de la galeria, Andres Bruck y Lucio Roman.

Javier Sanchez, dibujante y amigo artista de paso por Buenos Aires.

Diego Perrota y niña leyendo.

El niño dibujante Lux y amiga.

Oscar Brahim y una de sus fans.

Edgardo Sandoval, dibujante, visitanto la galeria.

Fotos de Julio 2008, ASUNTO GALERIA

2008-08-08T10:37:00.000-07:00

Oscar Brahim y su intervension en la vidriera de Asunto Impreso espacio libreria.

2008-08-08T10:33:00.000-07:00

NADA DE LOS QUE VEZ TIENE SIGNIFICADO

..........................

Sobre el artista Oscar Brahim:

...........................

Nombre y Apellido: Oscar M. Brahim

Profesion: Artista autodidacta

Direccion: obra9@hotmail.com
oscar.despegue@gmail.com
www.flickr.com/photos/brhm
cel. 1558887473

Actividades desarrolladas

1998- Oscar comienza a realizar ejercicios sobre afiches publicitarios

utilizando las imagenes del entorno retrabajandolas con inusual intensidad

alterando el contenido de las mismas.
1999- Realiza una muestra/instalacion de poster-collage en el paseo "Diagonal norte"
del subterraneo nudo obelisco.
Durante este ano trabaja regularmente en la via publica llegando a acumular
un numero superior a las 100 intervenciones graficas en espacios de publicidad y otros,
algunas con la colaboracion de Guillermo Faivovich
2000-Comienza el rodaje de "Oscar," un documental-largometraje basado en su obra y perso
na, dirigido por el realizador cinematografico Sergio Morkin, cuya version cortometraje
se presenta en el festival de cine independiente y en 2001 al festival "work in progress"
- Dicta una conferencia y un workshop en la UBA (arquitectura,diseno y urbanismo)
para 300 alumnos de la catedra wolkowicz
-se publica una nota sobre el artista titulada "taxidriver" en el suplemento "si" del diario
Clarin y reportajes en distintas radios.
2001-Participa en Proyecto Trama/instituto goethe/nov21 Ciclo de debates redes,contextos
territorios.
nota en suplemento "si" titulada "el terror de ramiro agulla"
seminario en el instituto Di tella ( catedra Agulla & Bachetti)
articulo en revista Tipografica agosto/01
Performance en el centro de experimentacion del teatro Colon
En este periodo realiza un promedio de 150 intervenciones urbanas.
2002/3- Comienzan acciones progresivas con el nombre de BRHM&CIA
Tiene un encuentro con Daniel Maman.
Edicion de varios trabajos en Ramona semanal
Articulo en suplemento Radar 10 de febrero
2004- Se estrena el documental-largometraje "Oscar" en el shoping Abasto- centro cultural
Rojas y en el Malba. se organiza una muestra de diez obras en el Palace Glace ( con
vocatoria "amor al humor")
2006- Es invitado al festival " The Influencers" ( Barcelona Espana)
su actual proyecto es lanzar en diversos puntos de la ciudad frases o palabras de
sentidos multiples, en distintas escalas.

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Sabado 9 de Agosto, 19hs, brindamos con el cierre de las muestras

2008-08-08T10:28:00.000-07:00

sobre la muestra La Argentina de Ral Veroni

La serie La Argentina nace a partir de los acontecimientos que sufre el país en diciembre de 2001. Ral Veroni que vivía por ese entonces en Glasgow, Escocia sigue a diario las vicisitudes de la República. A modo de catarsis, como una forma de canalizar la angustia por los seres y lugares queridos, realiza una a una en fotografía y diseño digital las 8 imágenes que conforman esta serie que por primera vez se exhibe en el país.

La obra recurre a una variedad de personificaciones simbólicas tales como el Tiempo, blandiendo un martillo y que porta además un antifáz de ladrón, el Absurdo, sosteniendo una pregunta en forma de hoz, y la Muerte, un hueso con piernas que a su vez lleva a cuestas una flor.

Ral los distribuye en el espacio simbólico de un mandala, círculos concéntricos celestes y blancos, hipnóticos, que nos recuerdan al pabellón nacional.

La imagen mas emblemática de la serie es justamente una bandera, con sol incluido, en donde se repite en seguidilla el patrón de un tipito negro el cual sostiene una vieja pesa (http://www.indeprintent.com/lambda/laargentina/02.htm). A cada lado de la pesa aparece el rostro de la tragedia y la comedia: el mensaje parece decirnos que la existencia es un esfuerzo constante, aunque bajo el peso de una de sus mancuernas se esboza una sonrisa.

Acerca de Ral Veroni (Buenos Aires, 1965)

Las exposiciones de Veroni son sólo parte de una obra mucho más vasta. En general sus proyectos se caracterizan por estar fuera de las galerías y los circuitos convencionales de exhibición. Los tanques de agua, el papel moneda y los lugares públicos son los sitios habituales para encontrar sus imágenes. Su obra gráfica incluye al graffiti, la fotografía y el grabado tradicional. Otras veces es la pintura, la poesía o la intervenciones dirigidas a la crítica política y cultural. A estos cambios de género se suman los cambios de lugar. En los últimos 15 años Veroni vivió en Argentina, Estados Unidos, México, Inglaterra, Escocia, Alemania y España. Adaptar los proyectos de arte al lugar donde vive fue la base acostumbrada para mantener el equilibrio entre creación y supervivencia. Sin embargo Veroni se mantuvo cerca de Argentina a pesar de las distancias, una prueba de esto son sus series Buenos Aires y La Argentina, realizadas entre el 2000 y el 2002 durante su residencia en Glasgow, Escocia.

Veroni es hijo del grabador italiano Raoul Veroni (1913-1992), un artista de linea clásica y hacedor de una gran colección de libros de bibliófilos (http://www.aetb.com.ar). Justamente es el libro de artista uno de las actividades constantes en la diversidad de la obra de Ral la que a la vez mantiene el registro de sus proyectos y sus cambios de concepto y estilo.

Algunos de sus proyectos

Veroni desarrolló una serie de proyectos de arte político durante su estancia en Argentina: La muestra nómade (1990) es una exposición itinerante alrededor de Buenos Aires realizada con stickers en serigrafía donde los colectivos y otros lugares públicos se convertian por obra de la pegatina en lugares de exposición. http://www.indeprintent.com/intervenciones/lmnomade/index.htm

Bienvenidos al circo (1991-95). Una serie de "prótesis anatomicas gráficas", narices de Pinocho y cuernitos entre otras formas autoadhesivas para pegar sobre los rostros de los políticos en los afiches de las campañas electorales. http://www.indeprintent.com/intervenciones/bienvenidos/index.htm

Lucha por la vida (1994-2003). Un comentario acerca de nuestra relación con el dinero, realizado sobre el mismo dinero fuera de circulación. http://www.indeprintent.com/intervenciones/luchaxlavida/index.htm

En Estados Unidos y en Inglaterra su obra toma un giro más intimista y poético con los libros Vacuum (1996), Itinerario (1997) y Sophie (1998).
En Escocia y en España realizó una serie de proyectos de crítica cultural con The Lottery Project, 2002-2006 (www.thelotteryproject.com.ar) y El legado de un inmigrante a la Unión Europea, 2005-2006 (publicado semanalmente en http://www.librodenotas.com bajo el nombre de Teatrillo europeo de entidades).

Para un paneo general sobre su obra ver www.indeprintent.com

Exposiciones individuales y colectivas (selección)

2007 Artistas & Bibliófilos – Exposición de la obra de Raoul y Ral Veroni organizada por la Cámara de Comercio de España en la XXXª Feria del Libro de Buenos Aires
2006 Dibujos en La Central del Raval, Barcelona, España
2003 Ral Veroni: Artists Books – Centre for Fine Print Research, Bristol, UK – Marzo-Abril
Münchner Künstlerhaus – Munich, Alemania - Setiembre 2003
2002 De las Malas Relaciones entre el Tiempo y el Destino – Serie de fotografías digitales en el Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina – Abril 2002
About the bad relationship between Time and Destiny – Street Level Photoworks – Glasgow, Escocia – Marzo / Abrill 2002
Buenos Aires Mon Amour – Canvas International Art, Amsterdam, Holanda – Noviembre 2002
2001 Artist's Books, Fruitmarket Gallery, Edimburgo, Escocia – - Julio / Setiembre 2001
2000 Libros de Artista - exposición en la Mackintosh Library, Glasgow, Escocia – Enero / Febrero 2000
1999 Artists' Books en el British Council Escocia, Edimburgo, 1999
1996 En estado de gráfica – Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina, Junio 1996

Obras de Ral Veroni en colecciones públicas

En Inglaterra: Victoria & Albert Museum / British Library / University of the West of England , Bristol /The Manchester Metropolitan University Library

En Escocia: Glasgow School of Art Collection / Mackintosh Library / Glasgow Print Studio, Street Level Photoworks, Glasgow

En Estados Unidos: New York Public Library / Walker Art Center / Museum of Fine Arts, Boston / University of Wisconsin, Madison, Bucknell University, Viginia Commonwealth University, Rochester Institute of Technology, Arthur and Matta Jaffe Library, University of Oregon / Long Island University - New York / Wellesley Center / Yale University, University of Miami- Otto G. Richter Library / Florida Atlantic University / Miami / New Mexico University Art Gallery / University of Delaware,

En Argentina: Museo Sivori , Buenos Aires

18 de Agosto, Inauguracion de fotografias en ASUNTO GALERIA

2008-08-08T10:23:00.000-07:00

En conmemoración del fallecimiento de nuestro Libertador Don José de San Martín, y en consonancia con el Festival de la Luz,
ASUNTOGALERÍA los invita a coleccionistas y amigosa

a la inauguración del lunes 18 de Agosto (feriado), a las 19hs. con vino y empanadas.

Espacio Galeria: "LOS PORTFOLIOS de
Marcos López + Andrea Ostera + Marcos Zimmermann
publicados por lamarcaeditora en el año 2000"

¿Sos un coleccioniste emergente?
Asunto Galería te da una oportunidad once-in-a-lifetime.

3 fotografos Argentinos bestiales en los umbrales
de la puerta de la Gran Historia del Arte a precios accesibles.

Los paisajes zen de los claroscuros de Zimmermann,
la novísima objetividad de Ostera y el ya clásico s
urrealismo pop y latinazo de nuestro vecino telmino López.
O sea, sopresas y extasismo para todos los gustos.

Espacio Vidriera: Nicolas Sarmiento. Viaja desde de su flickr de dibujos y su patio lleno de pájaros, a envolver de Naturaleza nuestras vidrieras.

Espacio Biblio: y si, Fotografia!! … Uniendonos al Festival de la Luz, hacemos gala de nuestra colección unica de libros sobre fotografos. Nos hemos eventurado por los depósitos de Almacén Central de Asunto Impreso y rescatamos lo último y lo primero, y pusimos una mesa bien iluminada para que los mires comodamente.

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PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora (edición años 2000, sólo 9 ejemplares, úlimos disponibles):
Pop Latino
de Marcos López.
"Mi obra es basica. Simple. Obvia. Lineal. Emocional.
Como dice la cancion: "…Rio Manzanares, dejame pasar, que mi madre enferma, me mando a llamar".

PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora (edición años 2000, sólo 9 ejemplares, quedan menos):
La colección
y

Conciso, sucinto, preciso
de Andrea Ostera.
"Puedo pensar mi obra en un terreno
en el que se cruzan el conceptualismo, el minimalismo y el arte de proceso".

PORTFOLIO Fotográfico de Edición Limitada de lamarcaeditora (edición años 2000, sólo 9 ejemplares, pocos disponibles):
Patagonia, portfolio íntimo de Marcos Zimmermann

"Mi trabajo es el fruto de miles
de kilómetros recorridos por el territorio argentino,
con el único objetivo de mostrar algunos rasgos de una
identidad nacional, a veces difusa o a veces perdida.
Quiero destacar estas presencias, que viven en cientos
de rincones del país, que constituyen nuestra esencia
y que permanecen para siempre en el corazón de quien
alguna vez las vio".

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Biografias:
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Marcos Lopez nació en la ciudad de Santa Fe en 1958. Su trabajo gira en torno al retrato, desde una mirada sumamente personal que ha desarrollado a lo largo de su carrera. Lejos de documentar individuos, Lopez construye personajes que ofrecen una mirada muy particular sobre su entorno. Ha incursionado en la pintura, el fotoperiodismo y la dirección de arte y de fotografía para publicidad televisiva.
Actualmente trabaja en su estudio de la calle Finochietto, en Barracas, Buenos Aires.
2006 "Laurits & Lopez" Tallinn Art Hall's gallery – Tallin – Estonia "Surrealismo Criollo" – Sala Puertas de Castilla – Fotoencuentros 06 – Murcia – España
2005 Galería Ruth Benzacar. Buenos Aires, Argentina."Artista Invitado Extranjero". FIA -Feria Iberoamericana de Arte-. Caracas, Venezuela."Al sur del realismo". Galería White Box. Nueva York, Estados Unidos.Victor Barsokevitsch Photographic Centre, Kuopio, Finlandia.
2004 Galería KBK. México DF."Poplatino". Sanomatalo. Helsinski, Finlandia"Sub-realismo Criollo".

Andrea Ostera: Nació en Salto Grande, Santa Fe, en 1967. En sus propias palabras, sus fotografías son "impresiones por contacto que revelan la vulnerabilidad de las cosas a la luz". La serie aquí presentada escapa de caer en la vacuidad del minimalismo, sino que sugiere algo orgánico, corpóreo, pero a través de una abstracción.
Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Rosario.
Su obra integra las colecciones del MNBA y MAM en Buenos Aires,. Entre las distinciones recibidas figuran el Diploma al Mérito de la Fundación Kónex (2002), la Beca Fulbright-Fondo Nacional de las Artes (1999) y la Fundación Antorchas (1997), el Programa de Becas para Artistas Jóvenes, coordinado por G. Kuitca (1997).

Marcos Zimmermann: Nació en Buenos Aires, Argentina,
en 1950. Sus fotografias parecieran inquirir acerca de la identidad de nuestro pais. En este caso, el portfolio Patagonia, exhibe una serie de 10 fotografias que no solo hablan del entorno donde fueron tomadas. La inmensidad que retratan estas imágenes no nos pierde, nos halla, nos invita a preguntarnos por nosotros mismos, a tomar lugar.
Desde 1989 Zimmermann trabaja en la realización de libros fotográficos. Entre ellos se cuentan: "Patagonia, un lugar en el viento"; "Río de la Plata, río de los sueños";
"Norte Argentino, la tierra y la sangre"; "Argentina, naturaleza para el futuro" y otros.
Ha recibido el Premio al Mejor Libro de Arte Argentino, el Premio Pirámide de Oro
y el Premio Leonardo. En 1999 su obra pasó a formar parte del patrimonio del Museo
Nacional de Bellas Artes de la Argentina y del Museo de Arte Moderno de la ciudad
de Buenos Aires. Actualmente trabaja en tres nuevos libros y ha sido invitado por
el maestro japonés Eikoh Hosoe a realizar una muestra en la Shadai Gallery de Tokio.

cada vez mas galerias de arte contemporaneo en San Telmo.

2008-08-08T10:20:00.000-07:00

Significado de los simbolos, en La Argentina de Ral Veroni en Asunto galería.

2008-08-01T14:26:00.000-07:00

Significado de los simbolos.
La Argentina de Ral Veroni en Asunto galería.

Las preguntas del público el día de la inauguración
sobre el significado de los símbolos que aparecen en la obra
llevó a la preparación de una breve guía.
Una versión de la misma va a estar expuesta a partir de hoy en la galería.

Para una vista de las obras de la serie en internet ver:
http://www.indeprintent.com/lambda/laargentina/index.htm

La exposición se mantiene abierta hasta el 9 de agosto de 2008.

Horario, de miércoles a domingo de 13 – 21 hs. Perú 1064 / t: +54 11 4361 8210 / e: galeria@asuntoimpreso.com

La rebelde alegoría

Ral Veroni es heredero de los más antiguos padres de la caricatura, aquellos que con lúcidos caprichos supieron fustigar los prejuicios e imposturas consagrados por el tiempo. Como Goya, parece persuadido de que “la censura de los errores y vicios humanos (aunque resulte peculiar de la elocuencia y la poesía) puede ser también objeto de la pintura”. Sus estampas conservan una carga de crítica social que consiste en mostrar el absurdo que la polis esconde, y devolverle a la política una imagen deformada por el arte con un humor sutíl y a la vez descarnado.

Lo conocí por azar en un aula. Yo tenía 19 años y había comenzado la carrera de Letras. Latín era una materia obligatoria que la mayoría de los estudiantes consideraba “un trámite”. A mi alrededor, el incómodo cabeceo de unos 30 compañeros me llevó a reparar en el rostro de Ral. Imaginé que no debía ser alumno de la Facultad. En efecto, estaba leyendo poemas de Catulo y se había “colado” allí con la esperanza de aprender a paladearlos en su lengua original… No era muy común encontrar personas que cursaran latín por placer en 1995 (lo más corriente era toparse con gente atragantada por la pizza y el champán de la fiesta menemista). Su rareza se ganó mi simpatía. Le conté que yo escribía poesía, hablamos de algunos autores y estuvimos de acuerdo sobre el mundo.

Desde entonces, a lo largo de más de 10 años me fueron llegando noticias de Ral desde diversos lugares: México, Estados Unidos, Inglaterra, Escocia, Alemania, España. De un modo errático me iba contando su peregrinaje. En una de esas idas y venidas encontró a su gran amor –un hecho que él definió como un milagro en este mundo sin orden- y luego su rumbo se acogió al destino. “Ni el sueño ni las estrellas ni mucho menos la belleza / pudieron advertirme lo que el destino preparaba para mí / Mucho mejor así / más brillante y dorada fue la sorpresa”, concluye Ral en un poema de su obra La princesa (Glasgow, 2002).

El hecho de ir siguiendo las distintas obras que produjo fuera de la Argentina me permitió descubrir y comprobar la insistencia de su mundo interior, los temas de su obra, sus figuras, su simbología. Recuerdo con emoción el momento en que vi uno de los 15 ejemplares de Sophie (Bristol, 1998), una misteriosa caja color plata, con el título gofrado en azul, que contenía más de 100 dibujos inspirados en el mito de Orfeo… Con idéntico júbilo podría evocar el momento en que encontré su obra Lucha por la vida (New York, 2000), un trabajo que Ral venía haciendo desde hacía varios años. En 1994, había comenzado a dibujar y serigrafiar billetes de sus abuelos, padres, amigos. Buscaba o pedía que le donen esos viejos billetes que alguna devaluación imprevista impidió que se gastaran, que ya no sirven pero inexplicablemente se conservan en las casas.

Lucha por la vida nos coloca ante la turbulenta relación de los argentinos con el dinero, su historia cotidiana (“El calvario del mango”), su presencia durante la dictadura y los períodos de inflación, también su transfondo macabro. En otro de los títulos de la serie (“Ave, Dollar. Morituri te Salutant” - Salud, Dólar. Aquellos que van a Morir te saludan), podemos intuir por contraste la agitación sin sentido del precario individuo que se precipita hacia no se sabe qué, para no se sabe qué, simplemente enloquecido… Allí nos contemplamos desnudos del velo de la ilusión, abandonados a nuestro destino, expuestos al desengaño. Como decía el ilustre Don José Guadalupe Posada, “güera o morena, rica o pobre”, toda la gente termina convertida en calavera. Ufana, la muerte podría jactarse de ser democrática.

La sorpresa fue enorme cuando supe que Ral había regresado a Buenos Aires para quedarse. Creo que fue por abril de 2006, recuerdo que estaba escribiendo mi segunda novela, buscaba inspiración en ciertas obras visuales y, curiosamente, había vuelto a frecuentar los billetes de Lucha por la vida. Poco después le escribí preguntándole si podía reproducir algunas de esas imágenes en mi libro. Me alegró su respuesta y más aún tener que ir a su estudio a buscar los archivos en alta resolución. Así nos vimos después de mucho tiempo, y casi no hablamos. No hacía falta la anécdota y tampoco explicar las razones de nuestros periplos. Bastaba dedicarnos a observar en la pantalla de su computadora los siete billetes que yo había elegido por sentirlos cerca de mi propia mirada. Después de todo, los artistas viven de la extrañeza de las cosas…

Por lo demás, me reencontré con la misma persona que había conocido, un espíritu leal, amable, tranquilo, sin hipocresía. Y nuevamente confirmé que para Ral, dibujar, pintar, hacer grabado, serigrafía y tantas otras labores, es un ejercicio espiritual cotidiano, un aquí y ahora que le da sentido a la vida. Tal vez por eso, al volver a mi casa, recordé cuando Hugo Padeletti, otro artista amigo, me confesó que no podía dedicarle demasiada energía a “colocar” su obra en el mercado. ¿Por qué? Bueno, porque estar en su casa dibujando o haciendo collage… no diría que es una fiesta -porque son demasiado ruidosas-, pero sí algo equiparable a un estado de plenitud que él designaba con el nombre anticuado de “beatitud”.

Entonces, por buenos motivos, me ha parecido oportuno celebrar la exposición que hoy Ral Veroni inaugura, La Argentina, 9 obras que hizo en Escocia tras haber seguido por TV la crisis del país en diciembre de 2001. En esas obras reconozco a los seres que siempre lo acompañan, personificaciones de su mundo interior, con algo de cómic pero cumpliendo la vieja función de un símbolo alegórico. Algunos podrían parecer superhéroes retirados, perdidos en el cosmos del Absurdo, sujetos para siempre a la hoz de sus preguntas implacables; y por allí, entre las escarapelas, el Tiempo los observa preparado para bajar el martillo, irónico y seguro como un tótem detrás de su antifaz. Nunca falta, la figura de la Muerte, encarnada en hueso, pero en este caso parece bien acompañada, con una flor, su contrapunto dialéctico, símbolo que, según Veroni, sería la Belleza o la necesidad de encontrarla como fuente de consuelo. (La flor puede ser una “varilla” para mantener el equilibrio en la cuerda floja, sugirió una vez Ral –todo un poeta de la pintura, casi baudelaireano).

Frente a cualquier nueva crisis argentina me propongo contemplar otra vez sus mandalas celestes y blancos. Confiaré en que los mandalas contribuyen a aplacar los efectos de la confusión humana, aglutinando lo disperso en torno a un eje. En este momento dirijo la mirada hacia otra obra de la serie (“Trama de la existencia”) y anoto: La noche se transforma en día, lo cálido en frío, la vida en muerte. Cuando se reconoce la belleza del mundo, se aprende la fealdad. Cuando se accede a lo sublime, sobreviene el asombro: La sonrisa inexplicable en una pesa sostenida por un negro, agita la bandera de la patria. Y el arte es el guardián del misterio. Tan inútil, tan necesario como aquella clase de latín… Relajarse, soltar lo crispado, contemplar un rosa e imitar la estrategia del agua. Tal es el ejercicio del artista en épocas difíciles. Serena desobediencia civil.

Florencia Abbate

Buenos Aires, Julio de 2008

vvvgallery Presenta: "Los Clubes", de Alejandro Lipszyc:

2008-08-01T14:00:00.000-07:00

visitar el sitio vvvgallery

Santiago Melazzini con sus libros Cines de dedos.

2008-07-13T13:44:00.000-07:00

Para ver los libros de Santiago
ir a www.asuntoimpreso.com

Brindis

2008-07-10T09:53:00.000-07:00

Hoy recordamos y festejamos 192 ños de una declaración revolucionaria.
Como editor independiente, como librero independiente a menudo reflexiono sobre en qué consiste la mentada independencia.
Y es un ejercicio que recomiendo.
Quien lo haga, hallará que mantiene ciertas dependencias y ha conquistado algunas independencias.

En 1824 un ejército integrado por colombianos, venezolanos, peruanos, chilenos y rioplatenses venció a los realistas en Ayacucho.
Si bien el sueño bolivariano no se realizó, en el sentido de una sola gran nación latinoamericana, ya todo el territorio continental quedó libre, liberado.
Para celebrar estos acontecimientos históricos hemos elegido a dos artistas revolucionarios:

Oscar Brahim interviene y subvierte mensajes publicitarios y la señalización de tránsito para subrayar la matrix de nuestra cotidaneidad de ciudadanos urbanos, burgueses, rutinarios. Nos ofrece una pastilla azul y una roja.

Sin que nos demos cuenta, en el cambio de un café, Ral Veroni pone en nuestras manos billetes intervenidos. Nos presenta al mismo tiempo un Olimpo de entidades que nos gobiernan desde 1816, y desde antes también. Y en el mismo acto nos recuerda que no “todo lo que brilla es oro” y que mientras distraídos, divertidos por la sociedad del espectáculo todo lo medimos en dinero, el tiempo marca nuestro paso con su martillo como diapasón.

Ambos nos proponen detenernos; hacernos un autopiquete y preguntarnos por nuestras vidas, por nuestras dependencias.

¿Quieren brindar conmigo? ¡Que viva el arte! ¡Viva la Independencia!

Guido Indij

Oscar Brahim y Ral Veroni hoy!

2008-07-09T08:29:00.000-07:00

Oscar Brahim y Ral Veroni el 9 de Julio, 19 horas, con empanadas y vino.

2008-06-21T14:48:00.000-07:00

Encuentros con entidades. Entrevista a Ral Veroni

2008-06-21T13:25:00.000-07:00

Ral Veroni por © Luis Martín

Mandala

Closet con los modelos de las entidades
(extraviados en una mudanza entre
Glasgow y Valencia).

La Argentina de Ral Veroni

La serie La Argentina nace a partir de los acontecimientos que sufre el país en diciembre de 2001. Ral Veroni que vivía por ese entonces en Glasgow, Escocia sigue a diario las vicisitudes de la República. A modo de catarsis , como una forma de canalizar la angustia por los seres y lugares queridos, realiza una a una en fotografía y diseño digital las 8 imágenes que conforman esta serie.

La obra recurre a una variedad de personificaciones simbólicas tales como el Tiempo, blandiendo un martillo y que porta además un antifáz de ladrón, el Absurdo, sosteniendo una pregunta en forma de hoz, y la Muerte, un hueso con piernas que a su vez lleva a cuestas una flor.

Ral los distribuye en el espacio simbólico de un mandala, círculos concéntricos celestes y blancos, hipnóticos, que nos recuerdan al pabellón nacional.

La imagen mas emblemática de la serie es justamente una bandera, con sol incluido, en donde se repite en seguidilla el patrón de un tipito negro el cual sostiene una vieja pesa
(http://www.indeprintent.com/lambda/laargentina/02.htm).

A cada lado de la pesa aparece el rostro de la tragedia y la comedia: el mensaje parece decirnos que la existencia es un esfuerzo constante, aunque bajo el peso de una de sus mancuernas se esboza una sonrisa.

Entrevista a Ral.

1.tenés un mundo de figuras § personajes que me recuerda a las figuras que en los 90 se impusieron en Inglaterra, hechas por Pete Fowler, luego hechas muñecos comerciales de culto y luego legitimadas por galerías de arte contemporáneo mundiales. Nunca independisaste tus muñecos de las composiciones fotográficas que creas?

Acabo de entrar a internet para ver quien es Pete Fowler. ¡Muy bueno! No lo conocía.
Dos personas me hicieron el mismo comentario: de porque no comercializaba mis diseños en figuras de plástico para la distribución en tiendas. Me dicen que en China se manufacturan diseños en 3D a bajo costo. Lo cierto es que nunca pensé mis imágenes en términos de empresa. Preparé esas pequeñas esculturas para realizar las series fotográficas y ya, una vez terminadas pasé a un nuevo proyecto. Sino se entra en el dilema de tener que ocuparse de lo ya hecho y sin tiempo para hacer cosas nuevas. Cuando caigo en esas vorágines del oficio que te obligan a las presentaciones, a buscar patrocinios y espacios, respiro hondo y suspiro - ¡Esto de ser artista no te deja tiempo para crear!

2. Los proyectos que vas creando fotográficamente siempre parten de dibujos previos, nunca expones tus dibujos originales?

Expongo poco. En parte por lo que digo arriba. Las fotografías parten de dibujos y textos que no muestro o no publico porque la relación tiempo dinero necesaria para los marcos y la edición la utilizo en ganar tiempo y ahorrar dinero.

3. Venís de una familia particular, en que influenció el oficio de tu padre en tu obra artística?

Mi padre tenía 53 años y mi madre 35 cuando yo nací. Ambos se dedicaron al arte. La brecha generacional entre la pareja y yo la suplí con libros clásicos, arte moderno y el ingreso a mi casa del primer televisor. Mi madre era muy buena en teoría del color. Mi papá un maestro de la línea y el grabado. El resto de mi formación visual fue cumplida con dibujos animados e historietas. Tengo las leyes de proporción del hombre elástico.
Mi padre era un ser silencioso, nada autoritario. Nunca impuso sobre mi su visión de lo que debía ser el arte. Cuando yo tenía 13 años comenzó paulatinamente a reducir su actividad por el alzheimer. Cuando entré en Bellas Artes 6 años después hacia ya tiempo que el había abandonado su taller.

4. Tu obra está conceptualmente desarrollada dentro de un marco argumental donde cada personaje o símbolo poseen significados intrínsecos históricos, aunque pase el tiempo, tus personajes siguen actuando en diferentes paisajes. Dependiendo de lo que busques. Es un concepto típico del comic book o de las Pulp, restringiendo los ejemplos solo a lo gráfico. Pero no es común en el arte contemporáneo.
Cuando comenzó esta contrucción en tu obra?

Ummm. Trabajo con símbolos. Las figuras son personificaciones del Tiempo, el Destino, el Absurdo, la Belleza, el Dolor, el Olvido, la Muerte. La necesidad de representarlos surgió cuando vivía afuera. Buscaba emblemas de la experiencia que fueran propiedad común. Algo que pudiera compartir con un escocés o un mexicano por ejemplo. Ya que el comic es un lenguaje casi universal siempre esperé de sus formas un medio sencillo para comunicar. Surgen dificultades, por supuesto, en mi hubris por la “universalidad”; una es que los símbolos pueden ser tan ambiguos como el destino, otra es que el arte, el contemporáneo incluido, es de elite, cuanto más se aleja del entendimiento y de la posibilidad de adquirirlo tanto mas parece valer.

5. Volviste hace dos años a BsAs y estuviste fuera 12 años.

Como fue tu experiencia artística en Europa todo ese tiempo?

Fue tranquila...e intensa. Ser latino en Europa del Norte es un exotismo. Ser figurativo y estar rodeado de neoconceptualistas es una impostura. Fue tranquila en el sentido en que me permitió desarrollar esta estructura de símbolos y algunos textos que la soportan. Ir durante seis años a consultar la biblioteca de la Universidad de Glasgow y dibujar.
Supongo que la construcción de la persona y para el artista del estilo te lleva a lugares comunes, lugares que dentro del entorno de tu propio ambiente o país llega el buen día en que te vez obligado a sostener (porque de eso se trata la construcción del reconocimiento). Cuando vivís en otro lugar, no de paseo, sino que te establecés allí sin boleto de regreso, sos una persona nueva en un lugar que no sabe nada de lo que construiste anteriormente. Dibujar bien podía ser curricular en tiempos de Ingres, en Francia o en Tombuctú, pero para el artista actual lo que sabe o deja de saber no es nada si no presenta las credenciales de su trayectoria, su CV y cartas de recomendación. Mi experiencia artística en este sentido fue refrescante, me ayudo a ponerme en tela de juicio y a la vez a minimizar el tono de importancia con que el arte se presenta políticamente.

6. Qué muestras viste allá que te fueron reveladoras O cambiaron tu forma de contemplar el arte contemporáneo? Hubo alguna?

Si, si. La más importante fue la exposición de la colección Saatchi llamada “Sensation” en la Royal Academy de Londres en 1997. Tuve dos impresiones, una que mi amor a la gráfica me dejaba fuera del mainstream. Recorrer aquella exposición me hizo sentir como un pintor de retablos. La otra fue la sensación de observar de cerca la maleabilidad del arte, la capacidad de validación que tenía un solo coleccionista para poner su preferencia como una tendencia artística por sobre todas las demás, con influencia y algo capital.

7. Qué diferencias encontrás entre el manejo de su obra de artistas que conociste en Europa y los artistas de Buenos Aires?

La diferencia principal es que el arte de Europa esta institucionalizado. Esto quiere decir que la mayoría de los artistas europeos están acostumbrados a pedir dinero a los fondos de cultura para realizar su obra. Escriben sus proyectos y esperan el subsidio. Creo que en Argentina estamos acostumbrados a no esperar mucho de nadie. Especialmente en materia cultural y los proyectos se hacen en general con voluntad y por una red de intercambios. Argentina sin embargo cambió bastante en los últimos años. Hay más participación institucional y muchas mas galerías. Si esto se trata solo de un esporádico veranito cultural o si es un fenómeno que vino para quedarse esta por verse.

8. Ni bien llegaste a Buenos Aires y viste la escena artistica del 2006. Que diferencias veias entre el arte contemporaneo de alla y de aca?

En Buenos Aires se experimenta una vitalidad cultural. Existen muchos circuitos, variedad, independencia a pesar de que el capital que se mueve aquí es mucho menor.

9. Qué artistas de acá de estas épocas te resultan interesantes?

Interesante es una palabra interesante. La verdad que interesantes me resultan casi todos aunque sea como ejemplos de obstinación.
A veces me siento como el fabricante de golosinas ante los dulces: demasiado involucrado en el proceso como para saborearlos. O como el director de cine que en vez de sentarse a disfrutar de una película observa los tecnicismos, la continuidad y los movimientos de cámara. Es la autopsia antes del cuerpo. Me encantaría poder disfrutar de las imágenes por lo que ofrecen, como hace mi amigo Elenio ,que con más años que yo en el oficio logra mantener su mirada inicial. Así y todo tengo mis momentos de disfrute, mis afinidades electivas, mis respetos. Nombro solo a algunos sin orden ni escalafón. Dubner, Bordese, Ueno, Iasparra, Roberto Cubillas, Fantoni, Lindner, Langer, Juan Batalla, Bianki, Stupia, Dany Barreto, Benavidez Bedoya, Fermín Eguía, González Perrín, Coco Bedoya, Ernesto Pesce, Carlos Arnaiz, Juan Carlos Romero, Julio Fuks...

10. qué sitios sobre arte te gusta vistar en internet?

Apenas navego internet. Consulto si los diccionarios online.
(el sitio de Pete Fowler que vi al principio de esta nota está muy bien).

Para las imagenes de la serie La Argentina + los detalles podes bajarlas de:

http://www.indeprintent.com/lambda/laargentina/index.htm

Julio Silva en Amsterdam - Mayo 2008

2008-05-28T07:43:00.000-07:00

QUERIDOS AMIGOS
PEQUEÑA MUESTRA
EN EL PAIS DE REMBRANT
ABRAZOS JULIO

Take a Walk on the Art Side

2008-05-21T06:59:00.000-07:00

Take a walk on the art side

2008-05-21T06:43:00.000-07:00

ARS linkea muestras de Buenos Aires.

2008-05-20T21:01:00.000-07:00

avisos de ARS sobre la expo!

2008-05-20T20:29:00.000-07:00

Este sábado caluroso de caminata y eventos estan invitados
a pasar a ver el vidrio dibujado por la gran Irana Douer Keepinmind,

www.flickr.com/photos/asuntogaleria

y los stencils del obsession Cucusita
y sus composiciones retro skate fx horror!
pueden pasar mas tarde
no es necesario que arriben en perfecto mediodia,
se estiran hasta las 19 los refrescos

ah, si estan antes de las 14hs
hay almuerzo gratuito para todos
en el nuevo restó de la cuadra
LAS MAZORCAS
solo se paga las bebidas llevando
una tarjeta que les damos en la galeria,
aprovechee

&
el 2 x1: VIERNES 23 MAYO
TANTO DESEO APPETITE Y LDF!!
((( El galerias nuevas de San Telmo ardeen: )))
se recomienda el viernes:
Ir a ver y comprar
la muestra del dibujante
peruano Jorge Perez-Ruibal
inaugura con fiesta mixtepeada:
viernes 23 de mayo a las 22:00 hrs.
Perú 711 1piso n2.
Nueva galería de dibujantes
(alli vi una expo de moleskines
de dibujantes colombianos exquisite).

Vayan!
http://ldfgaleria.blogspot.com/

saludos
mint

Gestiarium un nuevo Proyecto

2008-05-07T14:39:00.000-07:00

http://www.gestiarium.blogspot.com/

http://www.gestiarium.org/

Street art Argentino de Cans Festival de Londres.

2008-05-07T14:36:00.000-07:00

> http://www.cansfestival.com/
> http://www.flickr.com/photos/kriebel/ fotos del cans festival
> http://www.flickr.com/photos/expressionsession/
unas cosillas que estuvimos
> haciendo por alli,
> este finde en rosario
>
> bye
>
> tester
> www.rundontwalk.com.ar

Mayo en Rosario, visitas artis de fin de semana

2008-04-29T18:01:00.000-07:00

organiza la salida explicada en el flyer:
lucreciapalacios@gmail.com
------------------------------

y una semana antes en el mismo lugar:

XPRESSION SESSION #4 - ROSARIO

Rosario explota en pocos días !!

si sos de rosario no podes faltar
y si sos de otro lado animate al viaje
Intervension callejera con setncil graffitis
todo street art de Buenos Aires y Rosario.
Sábado Mayo 3 -- de 14 a 20 hs
Bajada sargento cabral y el rio
(al toque del monumento a la bandera)

si llueve se pasa para el domingo 4

http://www.fotolog.com/expresionsession

Luis Camnitzer y El ultimo Libro - The Last Book - Open call

2008-04-29T17:57:00.000-07:00

EL ÚLTIMO LIBRO

(Proyecto de Luis Camnitzer patrocinado por la Biblioteca Nacional de España)

Llamado abierto para colaboraciones.

El último libro es un proyecto de recopilación de declaraciones tanto escritas como visuales en las cuales los autores que colaboran puedan dejar un legado para las generaciones venideras. El proyecto parte de la premisa que la cultura basada en libros está llegando a su término. Por un lado esto se debe a las mutaciones culturales que, introducidas por las nuevas tecnologías, han transferido la información de la página impresa a la televisión y al Internet. Por otro lado, hay un creciente deterioro en los sistemas educativos (tanto en los países afluentes como en los de las periferias) junto con una proliferación de fundamentalismos religiosos y anti-intelectualistas. El último libro actuará como cápsula de tiempo dejando constancia y testamento de nuestra época, y como estímulo para una posible reactivación de la cultura, en caso que ésta desaparezca por desidia, catástrofe o conflagración.

Las contribuciones para este proyecto se reducirán a una página (tamaño carta o A4) y podrán ser enviadas por correo electrónico a ultimolibro@gmail.com o por correo normal a Luis Camnitzer, 124 Susquehanna Ave., Great Neck, NY, 11021, USA. En caso de envíos de originales, éstos no serán devueltos. El libro será expuesto como instalación en la entrada del Museo de la Biblioteca Nacional en Madrid en algún momento de 2008. Las páginas se irán agregando durante todo el período que dure el proyecto, con la intención de que una versión abreviada seleccionada por Luis Camnitzer, curador del proyecto, luego se publique en forma de libro. El plazo de entrega es por ahora es 15 de octubre, 2008.

Esta solicitud es abierta y esperamos que sea reenviada a todos los colaboradores potenciales posibles.

THE LAST BOOK

(A Project by Luis Camnitzer, sponsored by the National Library of Spain)

Open call for collaborations

The Last Book is a project to compile written as well as visual statements in which the authors may leave a legacy for future generations. The premise of the project is that book-based culture is coming to an end. On one hand, new technologies have introduced cultural mutations by transferring information to television and the Internet. On the other, there has been an increasing deterioration in the educational systems (as much in the First World as on the periphery) and a proliferation of religious and anti-intellectual fundamentalisms. The Last Book will serve as a time-capsule and leave a document and testament of our time, as well as a stimulus for a possible reactivation of culture in case of disappearance by negligence, catastrophe or conflagration.

Contributions to this project will be limited to one page and may be e-mailed to lastbook.madrid@gmail.com or mailed to Luis Camnitzer, 124 Susquehanna Ave., Great Neck NY 11021, USA. In case of submission of originals, these will not be returned. The book will be exhibited as an installation at the entrance of the Museum of the National Library of Spain in Madrid at some point of 2008. Pages will be added during the duration of the project, with the intention of an eventual publication of an abridged version selected by Luis Camnitzer, curator of the project. The tentative deadline is October 15, 2008.

This call is open and we hope that it will be resent to as many potential contributors as possible.

OmarOmar hasta el 10 de Mayo en la galeria

2008-04-26T16:00:00.000-07:00

Open Fuera de serie en Basel - Daniel Spehr

2008-04-25T14:44:00.000-07:00

Video del armado Fuera de serie

2008-04-25T14:23:00.000-07:00

Nota sobre Miart Focus Buenos Aires 2008

2008-04-09T14:13:00.000-07:00

Clarín, por Ana María Batisttozzi:

http://www.clarin.com/diario/2008/04/08/sociedad/s-03601.htm

Video muestra OmarOmar 9/03 al 26/04 Yo seré tú Reflejo Yo seré tú Ilusión

2008-04-07T13:49:00.000-07:00

Aqui Página youtube OmarOmar

Nota sobre Miart en La Nacion

2008-04-06T11:39:00.000-07:00

Aqui nota sobre el envio de galerias a Milan.
Hecha por Alicia de Arteaga.

Slide de OmarOmar

2008-04-06T11:32:00.000-07:00

Fotos en slide de la muestra de OmarOmar en la galeria.

Primer exposición de ASUNTO Galeria: x4

2008-04-05T15:53:00.000-07:00

El Sábado 29 hasta el Sábado 26 de Abril :

Exhibición:
Imágenes del libro Gauchos, del antropólogo Carlos Masotta.
Iconografía gauchesca en postales de principio de siglo XX
Venta de postales Originales.

Cine DD2 libros de Santiago Melazzini.

y del artista urbano OmarOmar:
"Yo seré tu Reflejo. Yo seré tu Ilusión"
Mapas escolares intervenidos

mas
Selección bibliográfica sobre Moda.

Dirección: Perú 1064, San Telmo.

Asunto Galeria abre su nuevo espacio de arte, street art, libros y fotografia en la calle Peru 1064, San Telmo.

2008-04-05T13:54:00.000-07:00

La libreria de la imagen ASUNTO IMPRESO
del Pasaje Rivarola 115,
creada por Guido Indij,
abrio su sucursal en San Telmo,
y para poder mostrar obras de los artistas
de las ediciones de Lamarca editora,
como tambien
la obra de otros artistas
que se vayan sumando, se penso en
dos espacios de Galeria de arte dentro
de la ya conocida libreria libreria de la imagen,
en esta nueva sucursal.

Un espacio ASUNTO Galeria
en la planta de la libreria de arte
y otro muy amplio en el subsuelo.

Tuvimos la bendicion de Florencia Braga Menendez,
invitandonos a:
MIART 08, la Feria de Arte que se realiza
en Milan, Italia, de 4 al 7 de Abril.
Donde llevamos obra de dos libros de fotografia
editados por Guido Indij.
"Fuera de serie" y "Sin palabras".

Vamos a la Feria junto a estas siguientes
Galerias de Arte de Buenos Aires:

Focus Buenos Aires - GALERIAS

713 Arte Contemporáneo
www.arte713.com

Agustina del Campo
www.agustinadelcampo.com

Appetite
www.appetite.com.ar

Arcimboldo galería de arte
www.galeriaarcimboldo.com.ar

Asunto Galeria
www.lamarcaeditora.com

Braga Menendez Arte Contemporáneo
www.galeriabm.com

Daniel Abate galería
www.danielabategaleria.com.ar

Elsi del Rio
www.elsidelrio.com.ar

Ernesto Catena fotografía contemporánea
www.ecfotografiacontemporanea.com

Gachi Prieto Gallery
www.gachiprietogallery.com

Galería Alberto Sendrós
www.albertosendros.com

Galería de arte Wussmann
www.wussmann.com

Insight Arte
www.insightarte.com.ar

Laura Haber Art Gallery
www.laurahaber.com.ar

Loreto Arenas
www.loretoarenasgaleria.com.ar

Masottatorres arte contemporáneo
www.masottatorres.com.ar

Sara García Uriburu galería de arte
www.saragarciauriburu.com.ar

Van Riel galería
www.vanriel.com.ar

Vasari
www.galeriavasari.com.ar

Zavaleta lab
www.zavaletalab.com